Танцы для детей пушкин: Школы танцев в Пушкинском районе — Санкт-Петербург

Разное

Содержание

Виталий Пушкин. DanCo культивирует 20 танцевальных направлений — Танцы — DANCE-NON-STOP

В Москве состоялся спортивный карнавал Sports Colours. Одним из его важнейших компонентов были танцы. Представитель школы-студии DanCo Виталий Пушкин рассказал API TV об особенностях занятий с детьми.

— Какие направления в вашей школе-студии представлены?

— Мы представляем танцевальную школу-студию DanCo. В ней представлено более 20 танцевальных направлений – для взрослых и детей. У нас регулярно проводятся праздники для детей разного возраста – для совсем маленьких и для тех, кто постарше. 

— В чём ваше отличие от других танцевальных студий?

— У нас два огромных концерта в течение года. Перед Новым годом мы устраиваем детские музыкальные сказки, целые представления. В этом году мы устроили такое же сказочное представление для взрослых. Сцена, образы, костюмы, номера, хореография  – все в наших  сказках объединено общей тематикой.

— Чем порадует DanCo в ближайшем будущем?

— В конце учебного года мы собираемся на большой красивой площадке, чтобы показать свои лучшие номера. В этом году, 28 мая, у нас будет грандиозный концерт, приуроченный к 5-летию нашей студии!

— Что вы показываете детям на Sports Colours?

На этом спортивном фестивале мы даем мастер-классы. Взрослые и дети повторяют все движения за инструктором, танцуют, веселятся, потеют, худеют, приходят в форму и заряжаются энергией! 

Светлана Мельникова (фото автора)

Лучшее Телевидение ОнЛайн API TV

Лучший Танцевальный Телеканал API TV DANCE

ЕЩЁ ПО ТЕМЕ:

Капоэйра в России

Капоэйра — Capoeira

Бразильские танцовщицы

Спортивный карнавал Sports Colours состоялся в Москве

Детский музыкально-хореографический театр «Mandarin Club» Санкт-Петербург

Подарите улыбку своему ребенку!

Театр студия сценических искусств. Раскроем таланты детей в разных направлениях.

Посещая наши занятия, дети включаются в увлекательную игру, а значит, процесс развития  становится интересным и захватывающим.Интерактивные методики и профессиональный подход позволяют детям получить максимум возможностей для самовыражения и почувствовать себя настоящими артистами.

Мы верим в то, что гармоничное творческое развитие важно для всех детей, начиная с самого юного возраста. В Mandarin Club вы можете выбрать разнообразные занятия для детей 2.8 -12  лет, в зависимости от интересов и особенностей своего ребенка.

Начиная с 2,8 лет ребенок может посещать Mandarin Club самостоятельно и, исходя из своих предпочтений и талантов, выбрать для себя Вокальную студию «Маленькие звезды», Я Артист( театральное мастерство, ритмопластика, этикет, кинематограф)

,  эстетическую гимнастику и растяжку, творческие занятия в Арт студии, занятия по сказкотерапии. Занятия проходят в группах по возрастам. Для каждой возрастной группы разная программа.

Для детей в возрасте от 4-х лет доступны занятия Индивидуальные занятия по вокалу  Индивидуальные занятия по актерскому мастерству, индивидуальные занятия по фортепиано.

С 6- ти лет дети могут заниматься в детской театральной студии, в шоу группе (эстрадно вокальная студия). Посещать мастер классы, учавствовать в концертной деятельности .Есть усиленные группы- кто мечтает о большой сцене, есть группы направленные на творческое развитие ребенка.

Конечно, для всех родителей важно удобное расположение студии, поэтому вы можете выбрать филиал Mandarin Club, расположенный в ближайшем к вам районе города: 

Фрунзенский (м. Купчино,  м. Международная), Красносельский (м. Ленинский проспект), Выборгский ( м. Проспект Просвещения/ Парнас) . Московский район (м.Московская).

Перечень предлагаемых занятий варьируется в зависимости от района, поэтому внимательно изучайте наше расписание и выбирайте то, что подходит именно вам. Двери Mandarin club всегда открыты для новых талантов!

Расписание занятий

14 лучших танцевальных студий по vogue в Санкт-Петербург, Россия

Все стили танца в Санкт-Петербург, Россия → Vogue — Санкт-Петербург, Россия

Список школ танца по vogue в Санкт-Петербург, Россия. Здесь вы можете найти адреса и телефоны школ и студий, где проходят занятия, уроки и обучение по танцу Vogue. Выбрать зал и преподавателей, с которыми вы сможете научиться танцу теперь гораздо проще — на странице каждой студии мы даём ссылку на группу в социальной сети, где вы можете пообщаться с тренерами и учениками.

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, ул. Чайковского 6-8

Телефон: +7 (812) 944 16 08

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, Московский пр 7(2 этаж)

Телефон: 995 39 58

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, ул. Казначейская д. 2/63 (2 минуты от м. Садовая/Сенная пл./Спасская)

Телефон: +7(812)309-51-91

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, Литейный 14, (вход под арку), 5 мин пешком от м.Чернышевская

Телефон: 959 17 27

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, Загородный пр., 32

Телефон: 30 16 38
949 06 01

Адрес:

Россия, Санкт-Петербург, Конюшенная площадь д.2 ( рядом с клубами «Циркус» и «Духлесс») метро «Канал Грибоедова», (внутренний двор), либо вход под арку с канала Грибоедова д. 5т. 954-4073Часы работы:Пн — пт 17:00 — 22:00Сб 15:00 — 20:00

Телефон: 47 62 73
+7 (812) 954 40 73

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, Ст.м. Чернышевская, ул. Чайковского 12

Телефон: 18001900
19002000
20002100
21002200
22002300

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, пр. Бакунина д.5 Бизнес центр Б5, 4 этаж

Телефон: 30 25 67

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, «Ораниенбаумская ул., 29 (здание БЦ «»Печатный двор»» (3 этаж)»

Телефон: 12 15 10

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, ст.м.Балтийская, Обводный канал, 138, проходная 4

Телефон: 8 (921) 376 24 62

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, «м. Ломоносовская, ТРК «» Южный Полюс»»»

Телефон: 964 65 69

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, метро Площадь Восстания, Лиговский Проспект 50, корпус 13

Телефон: 8 (812) 981 17 08

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, Суздальский пр. 29 лит.А — «Гранд Каньон Айс» (в 7 мин. от ст.м. Пр. Просвещения) Телефон: 993-47-68 Группа вконтакте: http://vk. com/shtab_prosvet *** ШТАБ — Кировский *** Ст.м. Кировский Завод ул. Возрождения, 20А «Фитнес клуб GRAFFITI» Телефон: 993-47-68 Группа вконтакте: http://vk.com/shtab_kiza *** ШТАБ — Пушкин *** Софийский бульвар, 30 Телефон: 993-47-68 Группа вконтакте: http://vk.com/shtab_pushkin ***

Телефон: 993 47 68

Адрес: Россия, Санкт-Петербург, Васильевский Остров, м. Приморская (4 мин. пешком), ул. Наличная 36/5.

Телефон: +7 (812)900-31-05

 

Исследовательская работа «Танцы в произведении А.С.Пушкина»

Ресублика Башкортостан

МР Салаватский район

МОБУ СОШ с.Лагерево

Виды танцев в произведении А.С.Пушкина «Евгений Онегин».

Выполнила: Газизова Линиза,

ученица 9 класса

Руководитель:Ситдикова В.М.,

учитель русского языка и литературы

Лагерево -2016

Содержание

Введение

Основная часть

Виды танцев в произведении А. С.Пушкина «Евгений Онегин»

Заключение

Использованная литература

Введение.

У меня есть увлечение – это танцы, но меня интересует не только исполнение, но и история этого вида искусства. Смотрю проект «Танцы» на канале ТНТ. Восхищаюсь танцорами, руководителями. Ведь занятия танцами из года в год получают все большую популярность среди молодежи. Ежегодно в мире составляются рейтинги самых востребованных танцевальных направлений. В прошлом году, например, в тройку мировых лидеров попали восточные, латиноамериканские танцы и молодежные танцы в стиле R&B. А какие танцы предпочла молодежь 19 века? И меня всегда волнует вопрос, всегда ли, наблюдая за людьми, кружащими в танце, мы можем понять, что у них на душе: добры ли они или злы, искренне или лживы, счастливы или несчастны? Почему на страницах русской классической литературы так часто писатели изображают нам своих героев танцующими? Можно ли с уверенностью утверждать, что танец в произведении является одним из приёмов, с помощью которого автор создаёт художественный образ? За ответом я обращусь к одному из центральных произведений курса литературы — роману в стихах А.

С.Пушкина «Евгений Онегин». Это произведение мне очень интересно, поэтому я решила работать именно с ним. На страницах романа я столкнулась с названиями танцев и заинтересовалась ими.

Проблема, которая стала началом моего проекта, состояла в том, что мои одноклассники не имели никакого представления об этих танцах.

Целью моего проекта являлось ознакомление класса с историей и особенностями танцев 19 века из романа А.С Пушкина «Евгений Онегин».

Во-первых, танцами в той или иной степени увлекается каждый девятиклассник. Будет неплохо, если мы будем знать о некоторых разновидностях танцев. Во-вторых, каждому из моих одноклассников будет полезна и интересна информация о танцах, которые встретятся при прочтении романа. Ведь не зря А.С.Пушкин упоминает о танцах 23 раза.

Чтобы достичь поставленной цели необходимо решить следующие задачи:

1. Познакомиться с критической литературой, посвященной данной проблеме.

2. Выявить виды и роль танцев в «Евгении Онегине» А.С.Пушкина.

Планировалось несколько этапов работы:

1) анализ текста с целью поиска танцев в произведении А.С.Пушкина «Евгений Онегин»;

2) сбор информации по особенностям и истории этих танцев.

Сбор информации осуществлялся преимущественно в Интернете, также я воспользовалась книгами из библиотеки.

В процессе работы возникла идея о составлении текстового словаря названия танцев, который можно использовать для получения более подробных сведений.

Основная часть.

1.Как мы уже знаем, что А.С.Пушкин упоминает о танцах 23 раза. Чаще всего он упоминает о мазурке (7 раз), например:

Он по-французски совершенно

Мог изъясняться и писал;

Легко мазурку танцевал

И кланялся непринужденно. .. (гл. 1, IV)

Толпа мазуркой занята… (гл.1, XXVIII)

По мнению света, Онегин «легко её танцевал». Здесь раскрываются далеко не привлекательные черты танцующих. И с Ольгой он скользит небрежно, шепчет пошлости, жмёт руку партнёрше, у которой голова пошла кругом от его ухаживания. Ленский пытается её пригласить «в котильон», но вновь отказ: танец уже обещан Онегину. Итак, план сработал, цель достигнута! И вновь именно в танце автор нам раскрывает неприглядные черты героев, именно танец стал орудием мести, стал тем ключевым эпизодом, последним витком сюжета перед страшной развязкой – дуэлью Онегина и Ленского. Получается, что танец – оружие, сразившее романтика? Пусть символическое, но оружие!

… проворно

Онегин с Ольгою пошёл;

Ведёт её, скользя небрежно,

И наклонясь ей шепчет нежно

Какой-то пошлый мадригал,

И руку жмёт – и запылал

В её лице самолюбивом

Румянец ярче.

Мазурка составляла центр бала и знаменовала собой его кульминацию. В пределах мазурки существовало несколько резко выраженных стилей. Отличие между столицей и провинцией выражалось в противопоставлении «изысканного» и «бравурного» исполнения мазурки:

Мазурка раздалась. Бывало,

Когда гремел мазурки гром,

В огромном зале все дрожало,

Паркет трещал под каблуком,

Тряслися, дребезжали рамы;

Теперь не то: и мы, как дамы,

Скользим по лаковым доскам.

Но в городах, по деревням

Еще мазурка сохранила

Первоначальные красы:

Припрыжки, каблуки, усы

Все те же…

Онегин играет чувствами Ленского, пытаясь вызвать в нём ревность. Тяжело читать строки, в которых герой «надулся…негодуя, поклялся Ленского взбесить и уж порядком отомстить». Это как-то не по-мужски, мелко, низко, но план намечен и Евгений приступает к его выполнению.

Мазурка — польский народный танец (название происходит от слова «мазуры» — так называют жителей Мазовии, исторической области в центре Польши). За названием «мазурка» скрываются сразу 3 национальных польских танца. Первый из них — мазур. Оберек — разновидность мазура с более прихотливым ритмическим рисунком и характерным акцентом на третьей доле каждого второго такта . Куявяк — лирическая, медленная мазурка, трёхдольность близка к вальсовой; танец-размышление или танец-воспоминание. В мазурке сочетаются легкое изящество, блестящая удаль, мечтательность. Характерны эффектные пристукивания каблуками в пунктирных ритмических фигурах.

2.Александр Сергеевич вспомнил и о таком прекрасном танце, как вальс (3 раза). Описывая бал в честь именин Татьяны Лариной, Пушкин придал эпитетам, описывающим вальс, не только глубокий эмоциональный смысл, существенен еще и описательный мотив. Он назвал его «однообразным», поскольку вальс состоял из одних и тех же постоянно повторяющихся движений:

Однообразный и безумный,

Как вихорь жизни молодой,

Кружится вальса вихорь шумный;

Чета мелькает за четой.

К минуте мщенья приближаясь,

Онегин, втайне усмехаясь,

Подходит к Ольге. Быстро с ней

Вертится около гостей,

Потом на стул ее сажает,

Заводит речь о том, о сем;

Спустя минуты две потом

Вновь с нею вальс он продолжает;

Все в изумленье. Ленский сам

Не верит собственным глазам… (гл. 5, XLI)

Онегин приглашает Ольгу именно на вальс, потому что этот танец символизирует любовь, нежность, все самые теплые и искренние чувства. Но при этом хочет позлить Ленского, отомстить за то, что его «затащили» на этот скучнейший вечер. И ведь знает, что ему это удастся! Так как Ольга восхищена танцами с Онегиным, Ленский рассержен, и уже явно видно, что он не сможет забыть это и отомстит Евгению.

Название происходит предположительно от немецкого слова walzen — раскатывать. Вальс танцуют плавно кружащиеся пары; темп его бывает различным — от медленного до очень быстрого. Впервые вальс стал популярен в Вене в 80-х годах XVIII века, в последующие годы распространившись во многие страны. Вальс, особенно с закрытыми позициями, стал образцом для создания многих других бальных танцев.

При исполнении танцев европейской программы, к которой относится вальс, существуют стандартные позиции в паре. Это закрытая, променадная и контрпроменадная позиции в паре, а также позиция против движения корпуса. В закрытой позиции танцующие стоят лицом друг к другу, но партнерша находится немного правее партнера, слегка отклонив корпус назад. Правой рукой партнер держит партнершу за талию (пальцы руки собраны, локоть согнут и поднят выше кисти), а ее левая рука лежит на правой руке партнера, кисть ребром касается спины партнера немного ниже правого плеча. Левая рука партнера и правая рука партнерши соединены, согнутые локти образуют более острый угол, чем в других стандартизированных танцах, кисти рук немного выше плеча. Тесный (близкий) контакт в паре. Корпус партнера слегка развернут правым плечом в направлении движения. Колени согнуты, ноги — в позиции танго. Променадная позиция аналогична закрытой позиции, но партнеры развернуты относительно друг друга примерно от 1/12 до 1/8 поворота (но не больше), партнер — влево, а партнерша — вправо. Правый бок корпуса партнера и левый бок корпуса партнерши должны быть в контакте, как бы образуя латинскую букву V. Голова партнера повернута влево, партнерши — вправо (возможен поворот влево). Колени согнуты, стопы партнера направлены влево, партнерши — вправо. В статичной позе вес корпуса партнера на правой ноге, партнерши — на левой ноге. Свободные (от веса корпуса) ноги на внутреннем крае подушечки стопы. Аналогична закрытая позиция. Однако партнеры развернуты относительно друг друга на 1/8 поворота — партнер вправо, а партнерша влево, лицом вперед в одном направлении. За счет разворота расстояние между партнерами увеличивается до 25 см, при этом соединенные левая рука партнера и правая рука партнерши, слегка согнутые в локтях, подняты до уровня головы. Правая кисть партнера смещается с левой лопатки на верхнюю часть руки партнерши. Левая рука партнерши находится на руке партнера; руки слегка согнуты в локтях. Противодвижение корпуса — или противоположное движение корпуса — используется для сохранения тесного контакта в паре во время исполнения движений танца. Поворот корпуса вправо исполняется с шагом правой ноги вперед или левой ноги назад, и поворот корпуса влево исполняется с шагом левой ноги вперед или правой ноги назад. Противодвижение корпуса не следует путать с позицией противодвижения корпуса. Шаги исполняются на линии или пересекая линию другой ноги (накрест) и поэтому позиция противодвижения корпуса не предполагает поворота корпуса, так как корпус уже находится в требуемой позиции.

Позже были созданы многие разновидности вальса. Среди бальных танцев вальс выделяется лирической настроенностью и романтической полетностью. Крупнейшие композиторы создавали вальсы в виде самостоятельных пьес. Выделяют несколько видов вальса: венский, английский (медленный, вальс–бостон), танго-вальс.

В пушкинские времена на балах танцевали больше всего вальс и мазурку в четыре пары. Конечно, танцевали и другие танцы — гавот, полонез, экоссев, краковяк, кадриль, — но все же менее, чем вальс и мазурку. Естественно, поэтому Пушкин поэтически преломил в «Евгении Онегине» наиболее характерные танцы своего времени, оставив нам замечательные по яркости и красочности описания вальса и мазурки:

Мазурка раздалась бывало,

Когда гремел мазурки гром,

В огромном вале все дрожало.

Паркет трещал под каблуком,

Тряслися, дребезжали рамы…(гл. 5, XLII)

И перед нами рождается картина шумной, бравурной мазурки на дворянском балу первой половины XIX века: большой двусветный зал, в центре на потолке сверкающая множеством свечей бронзовая люстра, на стенах свечные бра, вдоль стен массивная, даже неуклюжая мебель красного дерева. По навощенному паркету зала стремительно несутся пары. Мелькают гусарские и армейские мундиры, блистают белизной обнаженные плечи танцующих молодых девушек и дам. Словом, типичная картина бала 30-х годов, отраженная в мазурке и в то же время рассказанная специфическим языком мазурки.

Мазурка переходит в вальс, то ускоряющийся, то замедляющийся:

Однообразный и безумный,

Как вихорь жизни молодой,

Кружится вальса вихорь шумный,

Чета мелькает за четой…(гл. 5, XLI)

В поразительном по яркости описании вальса чувствуется самый характер танца, как бы идущего под музыку с традиционным счетом на три, с характерным для вальса темпом, несколько замедленным вначале и ускоряющимся в конце. Пушкин чрезвычайно скупо и в то же время выразительно рисует детали бала:

Толпа мазуркой занята;

Кругом и шум и теснота;

Бренчат кавалергарда шпоры,

Летают ножки милых дам. ..

Там теснота, волненье, жар,

Музыки грохот, свеч блистанье,

Мельканье, вихорь быстрых пар…(гл. 1, XXVIII)

Пушкин понимал, если можно так выразиться, дух танца. Он умел показать лаконично и просто специфику каждого танца.

3.Пушкин прямо или косвенно описывает нам сцены из балета (6 раз), например:

…Еще бокалов жажда просит

Залить горячий жир котлет,

Но звон брегета им доносит,

Что новый начался балет… (гл. 1, XVII)

…И молвил: «Всех пора на смену;

Балеты долго я терпел,

Но и Дидло мне надоел»… (гл. 1, XXI)

Пушкин упоминает об известных балеринах и сценах из балета, что нельзя не отметить:

…Однако ножка Терпсихоры

Прелестней чем-то для меня…(гл. 1, XXXII)

…Где Терпсихоре лишь одной

Дивится зритель молодой…(гл. 7, L)

…Стоит Истомина ; она,

Одной ногой касаясь пола,

Другою медленно кружит,

И вдруг прыжок, и вдруг летит,

Летит, как пух от уст Эола;

То стан совьет, то разовьет,

И быстрой ножкой ножку бьет… (гл. 1, XX)

В этой строфе представлено описание балетной сцены.

Как и во времена Пушкина, и сто лет спустя, в наше время русский балет славится во всем мире. Что же это такое балет? Французское слово ballet произошло от итальянского balletto – танец. Вот уже три века этим словом называют спектакль, в котором соединились музыка и танец, драматическое и изобразительное искусство.

Французское название и его итальянские корни не случайны. Балет возник в эпоху Возрождения в Италии. Издавна любили там веселые танцевальные сценки, исполнявшиеся на карнавале. Постепенно они и превратились в самостоятельные танцевальные спектакли. Во Франции эпохи абсолютизма расцвел придворный балет – пышное и торжественное зрелище, в котором принимали участие король, королева и придворные. Конечно, до балета в нашем понимании было еще очень далеко: ведь танцоров никак нельзя было назвать профессионалами! Во второй половине XVII века великий французский комедиограф Мольер написал несколько комедий-балетов («Брак поневоле», «Мещанин во дворянстве» и другие), музыку к которым создал замечательный композитор Люлли. Он же был и балетмейстером. А исполняли комедии-балеты актеры труппы Мольера. Правда, профессиональными танцовщиками они еще не были, но уж актерами-то были вполне профессиональными. В дальнейшем французские балетмейстеры, среди которых появились выдающиеся мастера, создали специальный «хореографический язык», которым классический балет пользуется до сих пор.

В России балет распространился в XVIII веке. В придворных и крепостных театрах выступали прекрасные танцовщицы, пленявшие своим искусством самых взыскательных ценителей. А в XIX и ХХ веках ни одна страна не может сравниться с Россией.

Балет – это мир выразительнейших танцевальных движений, жестов, мимики. Равно важны в балете три составные части: классический танец, характерный танец и пантомима. Классический танец – тот, что в основных чертах сложился еще во Франции XVII века, – очень красив, грациозен. Все движения и позы классического танца изящны и возвышенны. Часто главные действующие лица балета танцуют вдвоем. Их дуэт называется па-де-де. Сольные танцы называются в балете вариациями. Подобно оперной арии, балетная вариация словно бы рисует портрет героя, помогает понять его характер.

Кроме солистов, в балете принимает участие и большая группа артистов, которая называется кордебалет. Роль кордебалета аналогична роли хора в опере. Танцы кордебалета оттеняют действие, вносят в него разнообразие. Не всегда они построены на классической основе. Если вспомнить то же «Лебединое озеро» П.И.Чайковского, то в его третьем действии испанский и неаполитанский танцы воспроизводят движения народных танцев. Такие танцы называются характерными.

И наконец, не менее важна еще одна составная часть балета – пантомима. Греческое слово пантомима означает «все воспроизводящее подражанием». Это движения, жесты, которыми актеры как бы разговаривают друг с другом. При помощи пантомимы передается собственно содержание спектакля, развитие его сюжета. В современном балете, наряду с классическими танцевальными элементами, широко применяются движения, заимствованные из гимнастики и акробатики. Употребленные уместно и тактично, они чрезвычайно обогащают старинное искусство, омолаживают его, делают современным.

Пушкин упоминает о балете, так как в 19 веке дворяне, в том числе и Онегин, проводили время за просмотром балета, интересовались молодыми балеринами, их красотой.

4.4 раза Пушкин вспоминает о хороводе:

…Заманите молодца

К хороводу нашему… (гл. 3, XXXIX)

…Она любила на балконе

Предупреждать зари восход,

Когда на бледном небосклоне

Звезд исчезает хоровод,

И тихо край земли светлеет,

И, вестник утра, ветер веет,

И всходит постепенно день… (гл. 2, XXVIII)

…Подблюдны песни, хоровод… (гл. 2, XXXV)

…Был вечер. Небо меркло. Воды

Струились тихо. Жук жужжал.

Уж расходились хороводы… (гл. 7, XV)

В главе 2, строфе XXVIII хоровод – это множество (множество звёзд).

Хоровод – это не просто танец, это образ жизни наших предков. В нем отразилась широта и удаль славянской души. Народное хореографическое искусство Руси насчитывает большое количество танцев, плясок и переплясов. Но хоровод среди них стоит особняком, как один из самых древних танцев, ведущих свою историю из седой глубины веков.

Термин «хоровод» происходит от древнегреческого «χοροс», что означает «массовый танец с песней» и старославянского «вод», что означает «ходить, водить». Хоровод имеет древнюю историю, и в самих хороводах отобразилась история Древней Руси. Чем бы ни занимались наши предки, свои действия они отражали в преданиях, которые, в свою очередь, отражались в народных танцевальных действах. Веселые пиры, ратные подвиги или трудовые будни – все это нашло воспроизведение в величавых хороводах, шествиях по кругу.

Первые хороводы являлись языческим гимном Солнцу. Основная фигура танца – хождение по кругу – символизировала наше дневное светило, а сам хоровод прославлял источник света и тепла, от которого зависел урожай. Этот танец сопровождал жизнь наших предков три сезона в год: весну, лето и осень, и только зимою игрища на природе приостанавливались.

Что такое хоровод? Хоровод – это массовый танец. В нем принимают участие и молодежь, и люди среднего возраста, и даже старики. Музыка танца обычно медленная, напевная, лиричная. Музыкальный размер чаще используется 4/4, но бывает и 2/4, реже, 3/4. Танец часто сопровождается пением. Большая роль в хороводе отводится хороводнице – женщине, которая пользуется всеобщим уважением, благодаря чему и заслужила право руководить танцем. В другое время хороводница может быть свахою на свадьбах, бабою-позываткою на пирах, кумою на крестинах. Основные фигуры хоровода – это хождение по кругу. Хороводница руководит хождением танцующих в одном большом кругу, затем разбиванием его на несколько маленьких, вновь схождением в один большой круг. В старину хороводы водились на особенных местах, каждое из которых получало свое название. Это были озера, реки, лужайки, рощи, пустоши, огороды, дворы. На одних местах собирались хороводы только праздничные, на других – повседневные. Для праздничных хороводов селяне пекли пироги, караваи, красили в желтый цвет яйца.

Этот танец является поистине универсальным, и в том или ином виде, под разными названиями встречается у многих народностей. Так, в Болгарии хоровод называется хоро, в Молдавии – хора, хурэ, в Литве – карогод, в Сербии – коло, что в переводе означает «круг». Под разными названиями хоровод известен в Македонии, Хорватии, Грузии и других странах. В каждой из этих стран хоровод вобрал в себя национальные особенности и своеобразие.

Различают хороводы женские и смешанные. Молодые парни могут принять участие в хороводе только по приглашению хороводницы. Это прекрасная для них возможность познакомиться с понравившейся девушкой, с ее окружением и родными.

В хороводе проявились национальные черты славянских народов – величавая скромность, и, вместе с тем, открытость, удаль, разгул, задор. В прежние времена этот танец был своеобразною формою общественной жизни. Хоровод – это не просто танец. Это образ жизни наших предков. Во время танца обсуждались насущные проблемы, заводились знакомства, происходили встречи с родными и близкими. Молодые люди активно использовали это действо для завязывания романтических отношений, встречей со своими возлюбленными. Для этого действия девушки и женщины одевались в свои самые лучшие одежды, специально покупали красочные ленты, платки, даже если для этого надо было потратить свои последние деньги.

В настоящее время хороводы исполняются, главным образом, на сцене. Радует, что в последнее время наблюдается тенденция к возрождению народных традиций и в обычной жизни.

По тексту хоровод упоминается в связи с появлением на страницах Татьяны. Татьяна – это идеал Пушкина, идеал, воплотивший исконно народные черты, лучшие черты русского национального характера: скромность, мечтательность, душевную красоту. Только Татьяна душой может понять этот танец. Все окружение Татьяны танцует иностранные танцы, а Татьяне близок по духу именно хоровод.

5.Александр Сергеевич упоминает в своем произведении танец, который носит название «котильон» /2 раза/:

…Румянец ярче. Ленский мой

Всё видел: вспыхнул, сам не свой;

В негодовании ревнивом

Поэт конца мазурки ждет

И в котильон ее зовет… (гл. 5, XLIII, XLIV)

…И бесконечный котильон

Ее томил, как тяжкий сон… (гл. 6, I)

Разве может смеющаяся Ольга представить себе, что вот сейчас, принимая приглашение Онегина на последний танец – котильон, она приближает трагическую развязку, что, может, из-за этого котильона Ленский через день будет убит?

История котильона как самостоятельного танца начинается с начала 19 века, когда все балы были покорены вальсом. Слово cotillion с французского языка можно перевести как «юбка», и поэтому многие авторы конца 19 века утверждали, что танец этот был выдуман французами в честь прекрасной половины человечества. Однако слово «котильон» обозначало также круговое построение в контрдансах . По-видимому, именно из контрдансов, в некоторых из которых допускался выбор первыми парами обязательных для исполнения фигур, и берет своё начало котильон.

По сути своей это танец-игра. Эта основная сущность котильона с течением времени не менялась, менялись только вкусы публики относительно отдельных фигур и танцев, движения которых в котильоне использовались .

Котильон был любим еще в 20-х гг. 19 века, и в середине века он стал кодой бала — заключительным выступлением участников в излюбленных танцах. К концу 19 века более популярен был котильон с аксессуарами .

Котильон соединял в себе движения всех танцев. Наиболее популярны были вальс, галоп и полька (во второй половине 19 века). Без них не обходился ни один котильон. В середине века в котильон часто вставлялись фигуры кадрили, исполняемые между фигурами по выбору, так что котильон иногда даже называли котильоном-кадрилью, но в начале 20 века она уже считалась старинным танцем и использовалась гораздо реже. Неоднозначно было и отношение к мазурке: одни авторы танцевальных руководств считают её основным танцем котильона и предписывают начинать и заканчивать его именно мазуркой, другие считают, что мазурка по своему характеру совсем не соответствует котильону и не может в нем использоваться.

Фигур в котильоне было великое множество. Наиболее полный учебник, с которым мне удалось ознакомиться, включал в себя 125 фигур, но мне встречались ссылки на учебник, содержащий 224 фигуры. В целом количество фигур котильона так же, как вальса или мазурки, никогда не было строго ограничено: их было столько, сколько могла создать человеческая фантазия. Классифицировать фигуры столь же сложно, как и сосчитать. Можно предложить только два вида деления: котильон с аксессуарами и котильон без аксессуаров; и разделение фигур на фигуры, где доминирует выбор, фигуры, где доминирует игра, и фигуры чисто танцевально-постановочные.

По первой систематизации нужны пояснения. Есть фигуры (чаще всего чисто танцевальные), для исполнения которых не нужно никаких предметов. Для части фигур используются предметы, которые всегда есть под рукой — платки, веера, стулья, бокалы с шампанским. Часть фигур требует специальной танцевальной подготовки — наличия в зале для котильона венков, маленьких луков со стрелами, воздушных шариков, национальных костюмов, лент. Что-то из этого можно было найти во все времена в лавках, магазинах, лотках коробейников. Остальное изготовлялось фирмами, на этом специализировавшимися. Эти вещи и назывались аксессуарами. Особое распространение они получили в конце 19 — начале 20 веков. Считалось, что это разнообразит танец и делает котильон в одном доме непохожим на котильон в другом. На самом деле сильное увлечение аксессуарами во многом выхолостило дух игры, так как или свело большую часть фигур к банальному прямому однообразному выбору партнеров на фигуру или предполагало сложные конструкции с различными символами, не всегда гармоничные и удачно подобранные. Возможно, именно поэтому котильон в начале 20 века постепенно отошел на задний план, а потом и вовсе исчез из бальных программ.

Вторая систематизация ещё более условна, чем первая. Дело в том, что выбор случайного партнера в той или иной степени встречается практически во всех фигурах котильона. Но в части фигур выбор — это единственное, что составляет фигуру. В других фигурах выбор случайного партнера происходит в процессе игры, причем игра бывает интереснее самого выбора, да и выбор в результате делается всего одной парой. В третьем случае, как правило, пары, начавшие танец, приглашают дополнительных кавалеров и дам, и после этого все пары, участвующие в фигуре, как начинавшие, так и случайно составленные, исполняют полностью фигуру, создавая при этом сложные рисунки расположения пар. Некоторые фигуры включают в себя и элементы построения, и элементы игры.

При исполнении котильона не стоит забывать, что это не только игра, но еще и танец, причем достаточно сложный; и если на балу он предлагается для исполнения неподготовленной публике, то такая попытка легко может провалиться. Другой сложностью при использовании котильона на балах может быть психологическое непонимание и неприятие участниками сущности танца. За последние сто с лишним лет отношения полов сильно изменились и сейчас главная идея котильона — случайность выбора партнера в каждой фигуре — уже не настолько волнует кровь, как это было раньше. Кроме того, котильон — долгий танец (одна и та же фигура повторяется в нём до тех пор, пока её не исполнят все пары), и, если уже Пушкинскую Ольгу «бесконечный котильон томил как тяжкий сон», то современный человек, привыкший к активным действиям, тем более почувствует себя некомфортно в условиях длинного (часа на два) танца, большую часть которого ему придется сидеть, ожидая своей очереди.

6.В романе А.С. Пушкина «Евгений Онегин» 1 раз встречается галоп:

…Шум, хохот, беготня, поклоны,

Галоп, мазурка, вальс… Меж тем

Между двух теток, у колонны,

Не замечаема никем,

Татьяна смотрит и не видит,

Волненье света ненавидит… (гл. 7, LIII)

Галоп (от французского gallop) – массовый танец, чаще всего парный. Передвижение танцующих людей происходит по кругу. Музыкальный размер – двудольный, темп – очень быстрый. Галоп и по музыкальному сопровождению и по манере исполнения очень схож с другим быстрым активным и массовым танцем – полькой (галоп как элемент танца – основная составляющая польки). Основные движения – стремительные скачкообразные перемещения по линии танца, против нее, в круг либо из круга.

Пушкин ввёл котильон и галоп на страницы романа, чтобы показать энергичный, веселый, неутомимый дух людей 19 века, ведь эти танцы исполняются в быстром темпе с ярким выражением чувств танцующих.

Заключение

В заключении мы пришли к следующим выводам:

1.В «Евгении Онегине» танцы занимают значительное место: им посвящены авторские отступления, они играют большую сюжетную роль. Танцы были важным структурным элементом дворянского быта.

2.Основным элементом бала, как общественно-политического действа, были танцы. Они служили организующим стержнем вечера, задавали тип и стиль беседы.

Бальный разговор был далек от игры интеллектуальных сил, «увлекательного разговора высшей образованности». Но он имел свою прелесть – оживленность и непринужденность беседы между мужчиной и женщиной, которые оказывались одновременно и в центре шумного празднества:

Верней нет места для признаний

И для вручения письма.

3.А. С. Пушкину благодаря танцу удалось оживить свой роман, он, являясь одним из изобразительных средств, послужил основой для передачи времени и пространства, для более полного раскрытия характеров героев.

С помощью описания танцев можно наиболее эффективно и понятно описать главных героев, дать им дополнительную характеристику, чтобы подтолкнуть читателя к самостоятельным выводам. В сценах описания бала легче всего выразить авторскую позицию, личное мнение автора о той или иной ситуации. Именно в танцах можно плавно наметить новый поворот в сюжете, изменить замысел, включить решающие сцены и события.

4. Бал в XIX веке был неотъемлемым светским развлечением дворян и исключить его из сюжета означало обесцветить его, лишить «скелет» произведения важных позвонков.

Роман Пушкина всесторонне отражает целую эпоху столичной дворянской жизни начала 19 века. Не зря Белинский назвал роман «энциклопедией русской жизни». Здесь речь о всех сторонах жизни, в том числе и о развлечениях, доступных людям того времени: театре, танцах и т.п. Знать и понимать историю танца того времени – это отчасти знать и понимать ту эпоху. Именно поэтому я поставила себе задачу – рассказать одноклассникам о танцах. Я считаю, что я справилась с этой задачей. Мой класс и другие слушатели заинтересовались историей и особенностями танцев из романа А.С. Пушкина «Евгений Онегин». Особенно виден был интерес моих одноклассников к вальсу, так как мы выпускной класс, которому надо будет танцевать вальс на празднике последнего звонка.

Я считаю, что танец и литература взаимосвязаны, ведь танец – это отражение эпохи, в которую он возник и исполнялся, а любое произведение, в свою очередь, тоже выражает приметы и признаки той или иной эпохи, о которой говориться в тексте произведения.

Сейчас, конечно, балы заменены вечеринками, дискотеками; традиции танца, проведения этого мероприятия утратились бесследно, но изменились ли люди? Танец остался танцем, любовь осталась любовью, общение – общением. Эти три главных компонента бала претерпели изменения, но вместе с тем не утратили своих главных качеств. Это сложно понять, ведь для нас — людей XXI века, представление о бале заключается лишь во внешних признаках бала: красивой музыке, пышных и богатых нарядах, дворцовых залах и в иных явлениях очаровательной старины. Но мало кто задумывается, изменились ли мысли и ощущения людей. То же чувствует современная девушка на первом к примеру торжественном приеме, что чувствовала Татьяна на своем первом балу? Влияет ли время, эпоха на души людей? Это та проблема, на которую я вышла, выполнив эту работу.

Литература

1.Бродский Н.Л. «Евгений Онегин». Роман А.С. Пушкина. М.: Просвещение, 1964

2. Ожегов С.И. Словарь русского языка. М.: АСТ, 2008

3.Пушкин А.С. «Евгений Онегин». М.: Детская литература, 2002

Интернет-ресурсы

1.Балет. История или развитие балета. Волшебный мир. http://probalet.info/pushkin-o-balete

2.Вальс (Waltz). http://ayat-canto.ru/waltz.html

3.Виды танцев. Галоп. http://almazdance.ru/galop/

4.Исторический танец: Историко-бытовые танцы. http://www.fiziolive.ru/html/kultura/tancy/istoricheskiy_tanec.html

7. Общий толковый словарь русского языка. Балет. http://tolkslovar.ru/b672.html

Приложение 1.

Толково-наглядный словарь

Б – Балет

Балет (ит. balletto — танец) — спектакль, в котором соединились музыка и танец, драматическое и изобразительное искусство. Французское название и его итальянские корни не случайны. Балет возник в эпоху Возрождения в Италии. Издавна любили там веселые танцевальные сценки, исполнявшиеся на карнавале. Постепенно они и превратились в самостоятельные танцевальные спектакли. Во Франции эпохи абсолютизма расцвел придворный балет – пышное и торжественное зрелище, в котором принимали участие король, королева и придворные. Конечно, до балета в нашем понимании было еще очень далеко: ведь танцоров никак нельзя было назвать профессионалами! В России балет распространился в XVIII веке. В придворных и крепостных театрах выступали прекрасные танцовщицы, пленявшие своим искусством самых взыскательных ценителей. А в XIX и ХХ веках ни одна страна не может сравниться с Россией. Балет – это мир выразительнейших танцевальных движений, жестов, мимики. Равно важны в балете три составные части – классический танец, характерный танец и пантомима. Классический танец – тот, что в основных чертах сложился еще во Франции XVII века, – очень красив, грациозен. Все движения и позы классического танца изящны и возвышенны. И наконец, не менее важна еще одна составная часть балета – пантомима. Греческое слово пантомима означает «все воспроизводящее подражанием». Это движения, жесты, которыми актеры как бы разговаривают друг с другом. При помощи пантомимы передается собственно содержание спектакля, развитие его сюжета.

В – Вальс

Вальс (нем. Walzen — раскатывать). Вальс танцуют плавно кружащиеся пары; темп его бывает различным — от медленного до очень быстрого. Впервые вальс стал популярен в Вене в 80-х годах XVIII века, в последующие годы распространившись во многие страны. Вальс, особенно с закрытыми позициями, стал образцом для создания многих других бальных танцев.

При исполнении танцев европейской программы, к которой относится вальс, существуют стандартные позиции в паре. Это закрытая, променадная и контрпроменадная позиции в паре, а также позиция против движения корпуса. В закрытой позиции танцующие стоят лицом друг к другу, но партнерша находится немного правее партнера, слегка отклонив корпус назад. Правой рукой партнер держит партнершу за талию (пальцы руки собраны, локоть согнут и поднят выше кисти), а ее левая рука лежит на правой руке партнера, кисть ребром касается спины партнера немного ниже правого плеча. Левая рука партнера и правая рука партнерши соединены, согнутые локти образуют более острый угол, чем в других стандартизированных танцах, кисти рук немного выше плеча. Контакт в паре тесный (близкий). Променадная позиция аналогична закрытой позиции, но партнеры развернуты относительно друг друга примерно от 1/12 до 1/8 поворота (но не больше), партнер — влево, а партнерша — вправо. Аналогична закрытая позиция. Однако партнеры развернуты относительно друг друга на 1/8 поворота — партнер вправо, а партнерша влево, лицом вперед в одном направлении. Противодвижение корпуса— или противоположное движение корпуса — используется для сохранения тесного контакта в паре во время исполнения движений танца

Позже были созданы многие разновидности вальса. Среди бальных танцев вальс выделяется лирической настроенностью и романтической полетностью. Крупнейшие композиторы создавали вальсы в виде самостоятельных пьес. Выделяют несколько видов вальса: венский, английский (медленный, вальс–бостон), танго-вальс.

Г – Галоп

Галоп (фр. galop – массовый танец) чаще всего парный. Передвижение танцующих людей происходит по кругу. Музыкальный размер – двудольный, темп – очень быстрый. Галоп и по музыкальному сопровождению и по манере исполнения очень схож с другим быстрым активным и массовым танцем – полькой (галоп как элемент танца – основная составляющая польки). Основные движения – стремительные скачкообразные перемещение по линии танца, против нее, в круг либо из круга.

Пушкин ввёл котильон и галоп на страницы романа, чтобы показать энергичный, веселый, неутомимый дух людей 19 века, ведь эти танцы исполняются в быстром темпе с ярким выражением чувств танцующих.

К – Котильон

Котильон (фр. сotillion — юбка) — это танец — игра. Котильон был любим еще в 20-х гг. 19 века, и в середине века он стал кодой бала — заключительным выступлением участников в излюбленных танцах. К концу 19 века более популярен был котильон с аксессуарами . Котильон соединял в себе движения всех танцев. Наиболее популярны были вальс, галоп и полька (во второй половине 19 века). Без них не обходился ни один котильон. В середине века в котильон часто вставлялись фигуры кадрили, исполняемые между фигурами по выбору, так что котильон иногда даже называли котильоном-кадрилью, но в начале 20 века она уже считалась старинным танцем и использовалась гораздо реже. При исполнении котильона не стоит забывать, что это не только игра, но еще и танец, причем достаточно сложный; и если на балу он предлагается для исполнения неподготовленной публике, то такая попытка легко может провалиться. Другой сложностью при использовании котильона на балах может быть психологическое непонимание и неприятие участниками сущности танца. За последние сто с лишним лет отношения полов сильно изменились и сейчас главная идея котильона — случайность выбора партнера в каждой фигуре — уже не настолько волнует кровь, как это было раньше. Кроме того, котильон — долгий танец (одна и та же фигура повторяется в нём до тех пор, пока её не исполнят все пары), и, если уже пушкинскую Ольгу «бесконечный котильон томил как тяжкий сон», то современный человек, привыкший к активным действиям, тем более почувствует себя некомфортно в условиях длинного (часа на два) танца, большую часть которого ему придется сидеть, ожидая своей очереди.

М – Мазурка

Мазурка (от польск. — mazurek) — польский народный танец. За названием «мазурка» скрываются сразу 3 национальных польских танца. Первый из них — мазур. Оберек — разновидность мазура с более прихотливым ритмическим рисунком и характерным акцентом на третьей доле каждого второго такта. Куявяк — лирическая, медленная мазурка, трёхдольность близка к вальсовой; танец-размышление или танец-воспоминание.

В мазурке сочетаются легкое изящество, блестящая удаль, мечтательность. Характерны эффектные пристукивания каблуками в пунктирных ритмических фигурах. В пушкинские времена на балах танцевали больше всего вальс и мазурку в четыре пары. Конечно, танцевали и другие танцы — гавот, полонез, экоссев, краковяк, кадриль, — но все же менее, чем вальс и мазурку. Естественно, что поэтому Пушкин поэтически преломил в „Евгении Онегине» наиболее характерные танцы своего времени, оставив нам замечательные по яркости и красочности описания вальса и мазурки. И перед нами рождается картина шумной, бравурной мазурки на дворянском балу первой половины XIX века: большой двусветный зал, в центре на потолке сверкающая множеством свечей бронзовая люстра, на стенах свечные бра, вдоль стен массивная, даже неуклюжая мебель красного дерева. По навощенному паркету зала стремительно несутся пары. Мелькают гусарские и армейские мундиры, блистают белизной обнаженные плечи танцующих молодых девушек и дам. Словом, типичная картина бала 30-х годов, отраженная в мазурке и в то же время рассказанная специфическим языком мазурки.

Х – Хоровод

Хоровод (ю. -рус. — карагод, танок, круг, улица) — это не просто танец, это образ жизни наших предков. В нем отразилась широта и удаль славянской души. Народное хореографическое искусство Руси насчитывает большое количество танцев, плясок и переплясов. Но хоровод среди них стоит особняком, как один из самых древних танцев, ведущих свою историю из седой глубины веков.

Первые хороводы являлись языческим гимном Солнца. Основная фигура танца – хождение по кругу – символизировала наше дневное светило, а сам хоровод прославлял источник света и тепла, от которого зависел урожай. Этот танец сопровождал жизнь наших предков три сезона в год: весну, лето и осень, и только зимою игрища на природе приостанавливались.

Что такое хоровод? Хоровод – это массовый танец. В нем принимают участие и молодежь, и люди среднего возраста, и даже старики. Музыка танца обычно медленная, напевная, лиричная. Музыкальный размер чаще используется 4/4, но бывает и 2/4, реже, 3/4. Танец часто сопровождается пением. Большая роль в хороводе отводится хороводнице – женщине, которая пользуется всеобщим уважением, благодаря чему и заслужила право руководить танцем.

Различают хороводы женские и смешанные. Молодые парни могут принять участие в хороводе только по приглашению хороводницы. Это прекрасная для них возможность познакомиться с понравившейся девушкой, с ее окружением и родными.

В хороводе проявились национальные черты славянских народов – величавая скромность, и, вместе с тем, открытость, удаль, разгул, задор, даже если для этого надо было потратить свои последние деньги.

В настоящее время хороводы исполняются, главным образом, на сцене. Радует, что в последнее время наблюдается тенденция к возрождению народных традиций и в обычной жизни.

В Новосибирске 6 июня начнут работать виртуальные парки Пушкина

В День русского языка в Центральной библиотечной системе имени Белинского Дзержинского района пройдёт онлайн-марафон «Новосибирск читает Пушкина» в рамках проекта «Парки Пушкина».

В течение субботы, 6 июня, на сайте цбс-белинского.рф взрослых и детей ждут викторины, конкурсы и истории о жизни и творчестве Александра Сергеевича Пушкина. Онлайн площадка выбрана из-за продлённого режима самоизоляции в городе.

В социальных сетях районных библиотек так же будут транслировать контент, связанный с праздником.

Ссылки на библиотеки:

ЦРБ имени В. Г. Белинского: «ВКонтакте» , «Одноклассники» ;

библиотека имени И. С. Тургенева: «ВКонтакте», «Одноклассники»  ;

библиотека имени В. П. Чкалова: «ВКонтакте», «Одноклассники»     ;

библиотека имени Я. Гашека: «ВКонтакте» ;

библиотека имени М. И. Цветаевой: «ВКонтакте» ;

библиотека имени Н. В. Гоголя: «ВКонтакте» ;

библиотека имени Н. А. Островского: «ВКонтакте» .

Отметят праздник и в Детском доме культуры имени Калинина. Здесь в Пушкинский день дети будут смотреть и слушать сказки русского поэта онлайн. Для просмотра программы «У лукоморья дуб зелёный» нужно перейти по ссылке .

День русского языка стартует в молодёжном центре «Звёздный» в субботу в 14:00. На этой площадке пройдёт игра «Было/не было». Во время неё дети узнают необычные факты из жизни Александра Сергеевича.

Парк культуры и отдыха «Берёзовая роща» ждёт жителей Новосибирска в группе во «ВКонтакте»  в 13:00. Организаторы заявляют: «У каждого возраста – свой Пушкин», – и предлагают убедиться в этом гостям. В 14:00 на онлайн-площадке начнётся «Поэтическая поляна». Здесь выступят поэты, барды и авторы-исполнители. А в 15:00 пройдёт виртуальный урок по танцам. Научат каждого на танцевальной программе «Разрешите пригласить».

Спортивные секции Пушкина: куда отдать ребенка?

Самый изящный вид спорта — конечно же, танцы. Посещать танцевальную студию могут не только девочки, но и мальчики. Танцы разовьют навыки командной работы, чувство уверенности при выступлениях перед незнакомыми людьми, помогут выработать правильную осанку, способствуют комплексному развитию мышечной системы.

Ксения Бровкина, руководитель танцевальной студии FLORIDA: «В первую очередь, родители должны понимать, что занятия танцами требуют дисциплины, усердия и терпения. Высоких результатов можно добиться только при регулярных занятиях и, конечно же, желании танцевать! Поэтому прежде чем отдавать ребенка в танцевальную школу, приглядитесь к нему. Если он начинает двигаться и совершать немыслимые движения под любую играющую музыку, то это его путь и, возможно, он станет замечательным танцором!

В наше время существует множество разных стилей и направлений танцев. Самое главное — найти свой танец, поэтому прежде чем делать выбор, мы рекомендуем посетить с ребенком пробные занятия по разным направлениям. Так он сможет лучше понять себя и определиться в своих желаниях. Наши преподаватели детально готовятся к каждому занятию, придумывают интересные мотивационные программы для деток, стараются разнообразить каждый урок, поддерживать интерес и активность юных учеников на тренировках.

Мы считаем, что оптимальный возраст начала занятий танцами у деток с 4,5-5 лет. В этом возрасте они легче воспринимают и запоминают информацию, быстрее адаптируются к коллективу и уже не так болезненно реагируют на расставание с родителями во время занятий».

Истинно мужской спорт — самбо (сокращение от «самозащита без оружия»). Единоборство зародилось в 1938 году в СССР. Арсенал самбо — это комплекс наиболее эффективных приемов защиты и нападения, отобранных из различных видов боевых искусств и национальной борьбы многих народов мира. Самбо — не только вид спортивного единоборства, но и система воспитания, способствующая развитию морально-волевых качеств. Занятия самбо формируют твердый характер, стойкость и выносливость, способствуют выработке самодисциплины.

Александр Аблызалов, старший тренер клуба «Олимп»: «Практика показывает, что ребенок начинает адекватно воспринимать требования и условия тренировок с 6-летнего возраста. Прежде всего, нужно привести ребенка на тренировку самбо в качестве зрителя, посмотреть, как он реагирует, нравится ли ему. Чаще всего он понятия не имеет о дисциплине. Если же ему понравилась тренировка, то на следующую можно привести его в качестве участника, и после 2-3 тренировок уже можно понять, хочет ли он заниматься или нет.

Хотелось бы обратить внимание родителей на травмоопасность самбо. Конечно, никто специально не хочет травмировать детей, но все же серьезные травмы иногда случаются, как на тренировках, так и на соревнованиях.

Обучение самбо проводится по программе, одобренной Всероссийской федерацией Самбо. Но каждый тренер старается избрать свою стратегию преподавания борьбы: одни делают акцент на борьбу в стойке, другие на борьбу в партере, третьи стараются в большей мере развить физические качества спортсмена.

Самбо — вид единоборства, содержащий в себя 3 вида: спортивное, боевое и прикладное самбо. В нашем клубе мы преподаем только спортивное самбо. Этот вид включает в себя борьбу в стойке, в партере (лежа и на коленях), а также болевые приемы на руки и ноги.

В нашей секции могут заниматься те дети, которые не имеют противопоказаний для занятия данным видом спорта. Хотелось бы обратить внимание, что это спортивная секция и обязательным условием занятий является участие детей в соревнованиях».

Забытый, но вновь набирающий популярность спорт — верховая езда. В нем есть своя уникальность: вместо спортивного снаряда ваш партнер — лошадь. Езда верхом вытягивает и исправляет позвоночник, осанку, стабилизирует вестибулярный аппарат. С помощью иппотерапии (лечение при помощи лошадей) настраивается двигательный аппарат, нормализуются кровоток и обменные процессы, повышается общий тонус организма. Главное — благостное эмоциональное воздействие на ребенка.

Ксения Покрамович, КСК «ДЕТСКОСЕЛЬСКИЙ»: «Родители, решившие отдать ребенка на верховую езду, должны руководствоваться желанием ребенка, хочет ли он общаться с этими животными. Они обязаны понимать, что лошадь — это не спортивный снаряд, что ей нужно уделять должное внимание. С ней нужно договариваться и общаться, заслуживать ее доверия, ухаживать за ней.

В нашем клубе есть возможность заниматься с 11 лет. В других клубах, насколько я знаю, можно заниматься и с 6 лет, а то и раньше. Вопрос в том, имеет ли клуб подходящих для детей этого возраста лошадей и пони.

Существует русская школа верховой езды. А также два понятия: оздоровительная езда и спорт (конкур, выездка, джигитовка). Так вот, ученики и родители должны определиться, что конкретно они хотят получить от занятий. От этого решается и подход тренера к ученику, и количество занятий в неделю. Тренеры разные, и поэтому подход к обучению может различаться, но все сводится к одному: к наработке технической базы, иначе говоря — правильной посадке и навыкам управления лошадью. Важно помнить, что серьезные достижения в любом деле требуют высокой концентрации сил, эмоций и самоотдачи. Конный спорт не для ленивых. Это парный вид спорта, нужно руководствоваться не только своими желаниями, но и потребностями лошади. Лошадь не игрушка, и к ней надо относиться серьезно».

В 2018 году Россия принимает чемпионат мира по футболу. Хоть иногда наши граждане и ругают сборную по футболу, но все же искренне любят этот командный вид спорта. Футбол научит юных спортсменов игре в команде, преодолению трудностей, а также разовьет все группы мышц.

Юрий Смирнов, Председатель Федерации футбола Пушкинского района: «Мы тренируемся на базе подросткового клуба „Пушкинец“. Это специфичная секция в том плане, что мы не спортивная школа. Набор детей осуществляется практически без отбора. Приходят все желающие. Но бывает, родители считают ребенка гиперактивным и поэтому полагают, что ему дорога в футбол. Как показывает практика, они не всегда оказываются правы. Для футбольной секции немного другие требования. Зачастую мнение тренера и мнение родителей расходится по этому вопросу.

Дети приходят попробовать свои силы. Они, как правило, где-то еще занимаются: хор, язык, танцы, шахматы. Если ребенок одаренный, перспективный, я стараюсь привести его к тренеру на более высокий уровень в спортшколу „Царское Село“.

Оптимальный возраст начала занятий с 7 лет. Требование одно: уметь завязывать шнурки и знать где лево, а где право. Что касается шнурков, были случаи, когда ребенок две тренировки учится завязывать шнурки, а потом приходит в тапочках с липучками.

Программа обучения одинакова, что у спортшколы, что в нашем центре. Она утверждена Российским Футбольным Союзом. Нагрузки мы формируем таким способом, чтобы детям было не тяжело, а главное интересно. Если приходите с 7 лет, то два года вы обучаетесь в начальной школе: то есть это введение, игры, ОФП, технические навыки работы с мячом. Наша начальная школа постоянно выезжает на экскурсии. Футболист должен увлекаться не только футболом, но и быть всесторонне развитым».

Какое спортивное направление выбирать — решать только вам! Главное помнить, что мнение и желание ребенка очень важно при выборе его жизненного пути.

Ксения Чуркина, www.gorod-pushkin.info

Сказки Пушкина

Сказки Александра Сергеевича Пушкина, несмотря на свою немногочисленность (их менее десяти), — одно из самых удивительных явлений в русской литературе. Богатство образов, живой оригинальный язык, вечная тема добра и зла, а также неподражаемая ирония и комизм обеспечили им подлинное бессмертие. Нет другого жанра в творчестве поэта, где столько запоминающихся героев — царей и царевен, богатырей и красавиц, волшебников и кудесников, а также фантастических животных. Кто из нас не помнит золотую рыбку и золотого петушка, белку с ее орешками и ученого кота? 

 

Яркие страницы пушкинских сказок не раз вдохновляли русских композиторов и во многом определили будущее не только русской поэзии, но и музыки. Лучшие оркестровые фрагменты из знаменитых русских опер, написанных на сюжеты сказок Пушкина,  прозвучат 16 ноября в Большом зале Московской консерватории. Симфонический оркестр ддя детей и юношества под руководством Ивана Рудина исполнит фрагменты из оперы Глинки «Руслан и Людмила», сюиты из опер Римского-Корсакова «Сказка о Царе Салтане» и «Золотой петушок». За дирижерским пультом — известный оперно-симфонический дирижер Ариф Дадашев. Программу комментирует известный музыкальный критик, лектор и журналист Артем Варгафтик.

 

Впервые Пушкин обратился к сказочному сюжету еще в юности. Именно волшебная сказка «Руслан и Людмила», написанная им по окончании Лицея, стала первой его законченной поэмой. Вдохновлённая древнерусскими былинами и романтическими сказаниями, насыщенная фантастическими образами и экзотикой, она принесла двадцатилетнему поэту широкую известность. Композитор Михаил Иванович Глинка, увлеченный «Русланом и Людмилой», начал работать над одноименной оперой в год гибели Пушкина. На основе легкой и ироничной сказки им было создано грандиозное эпическое полотно, где нашлось место и богатырской доблести, и верной любви, и коварному обману, и колдовским чарам. Премьера оперы в Петербурге прошла сдержанно, но с каждым исполнением успех ее возрастал. Глинка нашел великолепные экзотические краски для музыкальных картин царства Черномора и волшебных садов Наины. Именно с этих страниц «Руслана» начинается особое направление в русской музыке — условный, «русский» восток. Концерт откроет радостная и жизнеутверждающая увертюра к опере, предсказывающая победу добра над злом. Ее сменят причудливый и угловатый Марш Черномора (одно из самых известных сочинений Глинки) и три восточных танца — турецкий, арабский и огненная лезгинка.

 

Выбрать сюжет пушкинской «Сказки о Царе Салтане» для написания новой оперы посоветовал ведущему петербургскому композитору Н.А. Римскому-Корсакову известный музыкальный критик и публицист В.В. Стасов. Опера была написана в год столетия Пушкина и впервые поставлена в 1900 году в Москве, в Частной опере С.И. Мамонтова, в великолепных декорациях Михаила Врубеля и с блестящим составом солистов. Это одно из самых жизнерадостных произведений оперной литературы, наполненное светлой энергией народного эпоса. Значительную роль в опере играют программные инструментальные эпизоды. Оркестровые вступления к I, II и IV действиям композитор тогда же объединил в сюиту «Картинки к сказке о царе Салтане». Каждую из ее частей предваряет эпиграф из пушкинской поэмы. В первой «картинке» перед нами образ царя Салтана — воинственного и при этом сказочно-комичного, будто сошедшего с народного лубка. Вторая «картинка» — морская стихия, великолепно переданная оркестровыми красками.   Наконец, самая знаменитая, третья часть — «Три чуда» на острове Буяне: белка с волшебными орешками (использована мелодия изестной народной песни «Во саду ли, в огороде», тридцать три богатыря и прекрасная Царевна-Лебедь. Также широко известен симфонический фрагмент оперы под названием «Полет шмеля»: блестящее скерцо типа perpetuum mobile.

 

Остросатирическая «Сказка о золотом петушке» — самая поздняя сказка Пушкина, в ней он использовал мотивы не только русских, но и арабских сказок. Опера Римского-Корсакова «Золотой петушок» также стала последней для композитора. Он так и не смог увидеть ее на сцене: «небылица в лицах» была запрещена цензурой из-за злободневной сатиры на самодержавный строй (значительно усиленной либреттистом В. Бельским по сравнению с пушкинским текстом). Опера впервые увидела в свет через месяц после кончины Римского-Корсакова, на сцене Частной оперы С.И. Зимина в Москве, причем в сюжет были внесены значительные изменения. В Большом и Мариинском театрах она была поставлена позже. В оркестровую сюиту вошли четыре фрагмента оперы, в которых можно угадать и угловатый, суетящийся образ царя Додона, и холодный шик восточной Шемаханской царицы, и волшебный профиль Звездочета и, наконец, объединяющий все оперу клич Золотого петушка.

 

Московский государственный симфонический оркестр для детей и юношества создан в 1989 году дирижером Дмитрием Орловым. Это единственный в России симфонический коллектив, посвятивший свою деятельность музыкально-эстетическому воспитанию подрастающего поколения. Тематические концерты и абонементные циклы оркестра адресованы семейной аудитории, школьникам и студентам, широкому кругу любителей музыки. Оркестр ежегодно выступает в Большом зале Московской консерватории, Зале Церковных Соборов Храма Христа Спасителя и на других известных сценах столицы. С 2017 года оркестр возглавляет дирижер и пианист, художественный руководитель международного музыкального фестиваля «ArsLonga» Иван Рудин. 

 

Ариф Дадашев — оперно-симфонический и хоровой дирижер, выпускник Московской консерватории. Сотрудничал со многими оркестрами и музыкальными театрами Москвы, Санкт-Петербурга, Рязани, Пскова и других городов. В настоящее время — главный дирижер Камерного оркестра Центра Павла Слободкина, дирижер театра «Московская оперетта», дирижер-ассистент Московского академического музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко. Также является дирижером ежегодных «Летних балетных сезонов» на сцене Российского академического Молодежного театра.

 

Концерт ведет Артем Варгафтик — известный музыкальный критик и журналист, дважды лауреат национальной телевизионной премии «ТЭФИ» за передачи «Оркестровая яма» и «Партитуры не горят» на телеканале Культура. Вел передачи о классической музыке на радиостанциях «Эхо Москвы» и «Маяк-FM». Сотрудничает с Московской филармонией и другими концертными организациями в качестве лектора. Автор книги «Партитуры тоже не горят».

 

Михаил Барышников — дети, жена и танцор

Михаил Барышников — русско-американский артист балета, поставивший несколько культовых произведений, которые сделали его одним из величайших артистов балета 20-го века.

Кто такой Михаил Барышников?

Михаил Барышников, опытный и уважаемый артист балета в Советском Союзе в 1960-е годы, был любимой частью своего народа. К сожалению, тогда чувства не были взаимными. Он бежал из Советского Союза в Канаду в 1974 году, прежде чем переехать в Соединенные Штаты в надежде получить лучшую возможность для творческого самовыражения.Его техника преодолела любые культурные барьеры, с которыми он столкнулся во время иммиграции, поскольку американцы любили его точность и грацию как артиста балета, как и Советы. Барышников работал в Американском театре балета до 1978 года, а в 80-х стал его художественным руководителем.

Молодость и карьера

Родившийся в Риге, Латвия, 27 января 1948 года, Михаил Николаевич Барышников стал одним из ведущих танцоров 20 века. Ранние годы Барышникова были трудными.Его отец был советским полковником, и они не ладили. Как он объяснил The New York Times , его отец «был не очень приятным человеком». Однако позже Барышников черпал вдохновение у своего отца. «Его манеры, его военные повадки — я вложил их в свою интерпретацию», — сказал однажды танцор.

В раннем подростковом возрасте Барышников потерял мать из-за самоубийства. Примерно в это же время он начал заниматься балетом, а в 1963 году, в возрасте 16 лет, начал обучение у выдающегося балетмейстера Александра Пушкина в Хореографическом институте имени Вагановой.

В 1967 году Барышников дебютировал на сцене Кировского балета в балете Жизель , а затем сыграл главную роль в балетной труппе премьер-танцора благородного в балетах Горянка (1968) и Вестрис (1969). Говорят, что хореограф Леонид Якобсон сшил Vestris специально для Барышникова. Работа теперь считается одним из визитных карточек танцовщицы. Барышников получил свою первую крупную награду в 1966 году, выиграв золотую медаль на танцевальном конкурсе в Варне, Болгария, а затем выиграл еще одну золотую медаль на Первом международном конкурсе артистов балета в Москве в 1969 году.

Ослепляя публику поразительными физическими и техническими способностями, а также эмоциональной выразительностью, слава Барышникова быстро росла. К концу 1960-х он был одним из ведущих артистов балета Советского Союза.

Всемирно известный танцор

Несмотря на свою известность, Барышников вскоре устал от удушающей атмосферы коммунистической России и в 1974 году, после выступления балета Большого театра в Торонто, бежал из Советского Союза в Канаду в поисках большего личного и творческая свобода.Позже он объяснил свой отъезд из родной страны New Statesman , сказав: «Я индивидуалист, и это преступление».

В США Барышников поступил на работу в Американский театр балета, где участвовал во многих постановках. Зрители толпами приходили, чтобы увидеть «его безупречную, казалось бы, не требующую усилий классическую технику и экстраординарные маневры в воздухе, которые он выполнял с таким азартом и точностью», как писала Лаура Шапиро в Newsweek .

Помимо балета, Барышников искал и другие профессиональные возможности. Он был номинирован на премию Американской киноакадемии за роль в танцевальной драме «: Поворотный момент » (1977) с Энн Бэнкрофт и Ширли Маклейн в главных ролях, которая вызвала интерес публики к балету.

В 1978 году Барышников ушел из АБТ в New York City Ballet. Там ему довелось работать с такими ведущими хореографами, как Джордж Баланчин и Джером Роббинс. Примерно в это же время, в 1979 и 1980 годах, Барышников получил две премии «Эмми» за телевизионные танцевальные программы.Однако его время в NYCB оказалось коротким. Барышников вернулся в ABT в качестве художественного руководителя и солистки в 1980 году.

Продолжая исследовать другие формы самовыражения, Барышников вместе с Грегори Хайнсом снялся в танцевальной драме 1985 года Белые ночи . Он также появился в постановке 1989 года Франца Кафки «: Метаморфоза ». Помимо выступлений на сцене и в кино, Барышников запустил собственную парфюмерную линию под названием «Миша» (его прозвище).

Более поздняя карьера

В 1990 году Барышников покинул ABT, чтобы вместе с Марком Моррисом создать авангардный танцевальный проект «Белый дуб» — шаг, отражающий сдвиг в сторону современного танца. «Это менее манерно, более демократично, более прозрачно и, с моей точки зрения, ближе к сердцу людей», — сказал Барышников New Statesman . Через эту новую компанию он работал и поддерживал новые произведения, созданные такими людьми, как Твайла Тарп, Джером Роббинс и Марк Моррис.

В декабре 2000 года Барышников был отмечен, наряду с другими культурными светилами, за выдающиеся достижения на протяжении всей жизни на церемонии вручения наград Кеннеди-центра.

В 2002 году Барышников распустил проект «Белый дуб», чтобы сосредоточиться на своем следующем крупном проекте. Через свой фонд он открыл Центр искусств Барышникова в Нью-Йорке в 2004 году. Согласно его веб-сайту, это учреждение было создано как «место сбора художников всех направлений». В нем есть театр и место для выступлений, а также студии и офисы, которые можно использовать для различных творческих начинаний.

Несмотря на то, что он провел много времени за кулисами BAC, Барышников никогда не отходил от выступлений.Он сделал незабываемое появление в качестве гостя в телевизионной комедии «Секс в большом городе » в роли российского артиста и любовного увлечения Сары Джессики Паркер с 2003 по 2004 год. Несмотря на проблемы с коленом, Барышников продолжал танцевать до 50–60 лет.

Однако Барышников отложил свои танцевальные туфли для некоторых из своих последних проектов. В 2011 и 2012 годах он снялся в спектакле « В Париже » по рассказу Ивана Бунина. В следующем году Барышников снялся в экспериментальной театральной постановке «Человек в деле » в Хартфорде, штат Коннектикут.

Личная жизнь

Михаил Барышников женат на бывшей балерине ABT Лизе Райнхарт. У пары трое детей: Петр, Анна и София-Луиза. У Барышникова есть четвертый ребенок, дочь по имени Александра (1981 г.р.) от его предыдущих отношений с актрисой Джессикой Лэнг. У Барышникова также были романтические отношения с танцовщицей Гелси Киркланд, с которой он работал как в New York City Ballet, так и в ABT.

Американский Театр Балета — Онегин

Синопсис

Действие I, сцена 1 – Сад мадам Лариной:  Госпожа Ларина, Ольга и няня заканчивают вечерние платья и сплетничают о предстоящем праздновании дня рождения Татьяны.Мадам Ларина размышляет о будущем. Приезжают соседские девушки и играют в старинную народную игру: кто посмотрит в зеркало, тот увидит свою возлюбленную.

Ленский, молодой поэт, помолвленный с Ольгой, приезжает с другом из Петербурга. Он представляет Онегина, который, которому наскучил город, пришел посмотреть, может ли деревня предложить ему какое-нибудь развлечение. Татьяна, полная юношеских и романтических фантазий, влюбляется в элегантного незнакомца, столь непохожего на знакомых ей деревенских жителей.Онегин, напротив, видит в Татьяне лишь наивную деревенскую девушку, начитавшуюся слишком много романов.

Действие I, сцена 2:   Спальня Татьяны – Татьяна, воображение которой пылает порывистой первой любовью, мечтает об Онегине и пишет ему страстное любовное письмо, которое передает няне для передачи.

Акт II, сцена 1:   День рождения Татьяны – Провинциальные дворяне пришли отпраздновать день рождения Татьяны.Онегину общество скучно. Сдерживая зевоту, ему трудно вести себя с ними вежливо; кроме того, его раздражает письмо Татьяны, которое он считает просто порывом юношеской любви.

В тихую минуту он разыскивает Татьяну и, говоря ей, что не может любить ее, рвет письмо. Огорчение Татьяны, вместо того, чтобы возбудить жалость, только усиливает его раздражение.

Появление принца Гремина, дальнего родственника. Он влюблен в Татьяну, и мадам Ларина надеется на блестящую партию, но Татьяна, обеспокоенная собственным сердцем, почти не замечает свою добрую родственницу.

Онегин от скуки решает спровоцировать Ленского, заигрывая с Ольгой, которая легкомысленно присоединяется к его поддразниваниям. Но Ленский относится к делу со страстной серьезностью. Он вызывает Онегина на дуэль.

Акт II, сцена 2:   Дуэль – Татьяна и Ольга пытаются образумить Ленского, но его высокие романтические идеалы разбиты предательством друга и непостоянством возлюбленной; он настаивает на проведении дуэли. Онегин убивает своего друга.

Акт III, Сцена 1:  Санкт-Петербург – Спустя годы Онегин, объехав весь мир в попытке сбежать от собственного чувства тщетности, возвращается в Санкт-Петербург, где его принимают на балу во дворце князя Гремина. Гремин женился, и Онегин с удивлением узнает в статной и изящной молодой княгине Татьяне неинтересную деревенскую девушку, от которой он однажды отвернулся. Чудовищность его ошибки и потери поглощает его.Его жизнь теперь кажется еще более бесцельной и пустой.

Действие III, сцена 2:   Будуар Татьяны – Онегин пишет Татьяне, признается в любви и просит ее о встрече, но она не желает с ним встречаться. Она тщетно умоляет ничего не подозревающего мужа не оставлять ее одну в этот вечер. Онегин приходит и признается ей в любви. Несмотря на свое эмоциональное потрясение, Татьяна понимает, что Онегин изменил свое мнение слишком поздно. На его глазах она рвет его письмо и приказывает навсегда покинуть ее.

Заметки

Музыка

Балет Джона Крэнко Евгений Онегин связан с оперой Чайковского только романом в стихах Александра Пушкина, который дает основу для обоих произведений. То есть в музыке к полнометражному балету нет ни одного такта из оперы Чайковского. Вместо этого я взял музыку из различных малоизвестных композиций Чайковского и большую часть аранжировал сам. Моя функция как музыкального аранжировщика состояла в том, чтобы обеспечить масштабные музыкальные формы для драматического сюжета.Эти формы должны были, с одной стороны, соответствовать драматизации сюжета, а с другой — состоять из коротких музыкальных номеров, которые можно было легко соединить для интерпретации посредством танца. Благодаря своей простой форме « сочинений для фортепиано » Чайковского (тома 51–53 полного издания) оказались особенно удачными и составили около трех четвертей музыки для этого балета. Фортепианный цикл соч. 37, «Времена года » были особенно полезны, а опера «Капризы Оксаны », написанная в 1855 году (из которой я использовал две арии, один припев и несколько инструментальных номеров), дала большую часть музыки.Дуэт из Ромео и Джульетта послужил эскизом для основной темы па-де-де Татьяны-Онегина в первом акте, тогда как вторая часть из симфонической поэмы Франческа да Римини занимает большую часть па-де-де. в третьем акте. Большие танцевальные номера – вальс, мазурка, полонез и др. – созданы в основном из фортепианных произведений.

Драматическая структура балета требовала преемственности, поэтому нужно было соединить разные части.По этой причине были использованы некоторые темы, такие как Leitmotivs . В своем повторении они часто изменяются гармонично и ритмично. Некоторые сцены сопровождаются вольными вариациями тем, упомянутых ранее в партитуре. Это позволило соединять и объединять отдельные произведения в более крупные музыкальные структуры, отходящие от архитектурного принципа обычного «Балета чисел». При аранжировке музыки я считал важным не слишком отходить от типичной оркестровки Чайковского.В то же время необходимо было избегать слишком частых эффектов тутти. Учитывая драматическое действие балета, которое в Онегине осуществляется почти исключительно главными героями, я счел целесообразным трактовать оркестр в целом более камерно, чем это обычно бывает в оригинальные балеты Чайковского и зарезервировать использование всего оркестра в основном для драматических кульминаций и концовок.

– Курт-Хайнц Штольце

Июнь из Месяцы – Па-де-де Ленский/Ольга, Акт I, Сцена 1
Ноктюрн c# для виолончели и малого оркестра, соч.19 #4 – Татьяна/Онегин па-де-де, Акт I, Картина 1
Февраль из Месяцы – Акт I между картинами
Увертюра фа мажор – Письмо, сцена па-де-де, Акт I, Картина 2
Вальс из Оркестровая сюита № 2 в до мажор – Акт I, сцена 2

Осень из Месяцы – Соло Ленского, Акт II, Картина 2
Урожай из Месяцы – Трио, Акт II, Картина 2

Полонез из оперы Черевички ( Туфельки ) – начало сцены бала, действие III, картина 1
Франческа да Римини – Финальное па-де-де Татьяны/Онегина, действие III, картина 2

История

Джон Крэнко был одним из величайших хореографов 20 -го -го века.Производительность Крэнко была потрясающей, и он оставил мир балета с богатым репертуаром сюжетных балетов. Его Ромео и Джульетта , Онегин и Укрощение строптивой находятся в текущем репертуаре Национального балета Канады и являются превосходными примерами его прекрасного сценического мастерства, искусного чувства драмы, богатой характеристики и изобретательного танца. словарь.

Онегин изначально был создан Кранко в 1965 году для Штутгартского балета, художественным руководителем которого он был.Ослепительная и мощная танцевальная драма « Онегин » стала одним из самых важных и востребованных полнометражных балетов этого века. В основу балета легла поэма Александра Пушкина « Евгений Онегин » и одноименная опера Чайковского. Это история о безответной любви в трагической встрече невинной молодой девушки и циничного аристократа.

В сезоне 1964/65 Штутгартского балета Кранко сосредоточил все свои усилия на создании « Онегин », своего третьего полнометражного балета.Впервые он был исполнен Штутгартским балетом 13 апреля 1965 года в Вюртембургском государственном театре с Марсией Хайде в роли Татьяны, Рэем Баррой в роли Онегина, Эгоном Мэдсеном в роли Ленского и Аной Кардиус в роли Ольги. Позже Кранко выпустил исправленную версию Онегин для Штутгартского балета в 1967 году, и именно эту исправленную версию мы видим сегодня.

Онегин был поставлен Рейдом Андерсоном для Национального балета Канады в 1984 году. Андерсон был художественным руководителем труппы с 1989 по 1996 год, а сейчас является художественным руководителем Штутгартского балета. Онегин впервые был исполнен Национальным балетом Канады в O’Keefe Center в Торонто (ныне Sony Centre) 14 июня 1984 года с Сабиной Аллеманн в роли Татьяны и Фрэнком Августином в роли Онегина. Спектакль был снят CBC-TV и Primedia под руководством Нормана Кэмпбелла. Фильм вызвал международную похвалу и получил серебряную медаль в категории исполнительских искусств на Международном кинофестивале в Хьюстоне.

Как балет спас Барышникова | The New Yorker

Идет дождь, и Михаил Барышников стоит во дворе Риги, столицы Латвии, указывая на два угловых окна старого оштукатуренного здания, которое, вероятно, когда-то было желтым.С ним его спутница, Лиза Райнхарт, бывшая танцовщица Американского театра балета, и двое его детей — Петр, восьми лет, и Александра, или Шура, шестнадцать. Он показывает им дом, в котором вырос. «Это советская коммуналка, — говорит он детям. «В одной квартире пять семей. У матери и отца есть комната в углу. Видеть? Большое окно. Там мать и отец спят, там мы едим, там стол. Потом еще одна комнатка, в основном всего две кровати, для меня и сводного брата Владимира. В других комнатах, другие люди.На пятнадцать, шестнадцать человек, одна кухня, один туалет, одна ванная, комната с ванной. Но нет горячей воды для ванны. Во вторник и субботу мы с Владимиром ходим с отцом в баню».

Открываю входную дверь здания и заглядываю в темный коридор. — Поднимемся, — предлагаю я. «Нет, — говорит он. «Я не могу». Прошло более четверти века с тех пор, как он был здесь в последний раз.

После бегства на Запад в 1974 году Барышников снова и снова говорил, что не хочет возвращаться в Советский Союз или даже в бывший Советский Союз.Затем, в конце прошлого года, он принял приглашение станцевать в Латвийской национальной опере, на сцену которой впервые ступил как артист балета. Почему он передумал, остается загадкой. Возможно, он просто почувствовал, что пора. (На следующей неделе ему исполнится пятьдесят.) Возможно, он хотел показать своим детям, откуда он родом. Мне он сказал только одно: «Я собираюсь посетить могилу моей матери».

Барышников, вообще-то, не человек для сентиментальных путешествий. Он слишком устойчив к лжи. Он также не любит, когда его преследуют журналисты.Интервью для него пытка: «Ты спрашиваешь меня, что случилось в моей жизни, почему и как я сделал то-то и то-то. И я думаю и рассказываю, но это никогда не бывает правдой, потому что все намного сложнее, и к тому же я даже не могу вспомнить, как все произошло. Весь процесс скучный. Тоже фальшивая, но в основном скучная». Он вежливо не указывает на роль журналиста в этом: как подаются вопросы и как интерпретируются ответы, в соответствии с уже сложившимися представлениями о жизни, о которой идет речь, — в данном случае о жизни человека, бежавшего из Советского Союза в возраст двадцати шести лет. Трудно найти статью о Барышникове, в которой не описывалось бы выражение меланхолии в его глазах, якобы следствие изгнания с русской родины. Это доминирующая тема сочинений о нем, но, по его мнению, она не имеет к нему никакого отношения. Он прожил в США почти половину своей жизни. Он гражданин США и считает эту страну своим домом. Он живет с американкой Райнхартом около десяти лет, у них трое детей, не говорящих по-русски.

Конечно, когда было объявлено о его возвращении в Латвию, тема изгнания зазвучала с новой силой. Рижская пресса пестрит сентиментальными формулами: мотив блудного сына, мотив возвращения домой, мотив родовых корней. Он отказался от них всех. По России, по его словам, он не испытывает ностальгии. Хотя его родители были русскими, он не переехал в Россию, пока ему не исполнилось шестнадцать: «Я всегда был там гостем». Что касается Латвии, то это его родина, но его родители были там «оккупантами» (его слово). «В ту минуту, когда сел самолет, в ту минуту, когда я снова ступил на латвийскую землю, я понял, что это никогда не был моим домом. Мое сердце не пропустило ни одного удара».

Что сделало Барышникова образцом танца конца ХХ века, так это отчасти чистота его балетной техники. В нем скрытый смысл балета и классицизма — что опыт имеет порядок, что жизнь можно понять — яснее, чем в любом другом танцовщике на сцене сегодня. Другая часть его превосходства проистекает, конечно, из его виртуозности, из-за того, насколько далеко он мог зайти в балете — шпагатные прыжки, циклонические пируэты — без ущерба для чистоты.Но то, что сделало его артистом и популярным артистом, — это законченность его выступлений: уровень концентрации, полнота амбиций, огромное количество деталей, с покачкой плеча, углом челюсти, даже растопыренные пальцы, все они развернуты на службе одного, настойчивого акта воображения. В нем просто можно увидеть больше, чем в большинстве других танцоров. Какую бы роль он ни играл (а он сыграл несколько неблагодарных), он всегда полностью ее чтит, каждую минуту работая над тем, чтобы сделать из нее серьезную человеческую историю. В интервью перед рижскими концертами латышский театральный критик Нормундс Науманис спросил его, почему он танцует. Он ответил, что не был религиозным человеком (быстро добавил, что его мать была религиозной и тайно крестила его), но что, по его мнению, он нашел на сцене то, что люди ищут в религии: «некоторое приближение к возвышению, внутреннему очищению, самопознанию». ». Он может ненавидеть интервью, но как только он оказывается на одном из них, он, как правило, изливает свое сердце. (Возможно, поэтому он их ненавидит.)

Хотя Барышников руководит труппой White Oak Dance Project, он поехал в Ригу только в октябре в качестве сольного танцора, а на следующей неделе (21-25 января) в Городском Center в Нью-Йорке, он снова выступит сам — это его первые сольные концерты в Соединенных Штатах.В этом есть что-то уместное. То, что он теперь ищет в танце — возвышение, самопознание — легче найти, если в то же время не поднимать другого танцора. Более того, современные зрители не хотят, чтобы другие люди блокировали их представление о нем. Но, по сути, соло — это его естественное состояние, состояние, которое его создало. Детская безродность загнала его в себя — сделала читателем, мыслителем, умом, — и власть силы, под которой он работал в Советском Союзе, произвела тот же эффект: она заставила его дорожить тем, что нельзя заставить, своим мысли.Это стало способом танцевать. Дело не в том, что когда он выступает, он говорит нам, кто он такой. Наоборот, он как можно полнее рассказывает нам, какую истину он нашел в роли, что он о ней думал. Во многих своих сегодняшних соло он, кажется, дает нам портрет самой мысли — ее всплески и колебания, возбуждение нейронов — и это то, что нужно делать соло.

Именно как ведущий новой работы, а не только как танцор, Барышников вернулся в Ригу. Большинство соло, которые он принес, были из его репертуара White Oak — произведения таких людей, как Марк Моррис, Твайла Тарп и Дана Рейц.Эти пьесы были далеки от серьезных советских балетов, в которых латыши видели его в последний раз и в которых некоторые из них, вероятно, хотели бы снова увидеть его. (В пьесе Рейца «Неизреченная территория» он в саронге бродит по сцене в тишине — без музыки — в течение двадцати минут). сегодня.

Для рижской прессы, однако, важно было то, кем он был тогда — человеком, который был одним из них и ушел.К тому же, как обычно в Советском Союзе, бывшем или нет, ему навстречу пришла политика. Между латышским и русским населением Риги существует значительная напряженность. (Хотя русских в столице больше, чем латышей, независимость Латвии сделала русских аутсайдерами: русские должны сдать экзамен по латышскому языку, чтобы получить работу в правительстве.) Русские хотели знать, почему Барышников приехал в Латвию, а не для того, Россия, и почему, если он дал только три интервью по поводу своего визита (он не хотел ни прессы, ни вопросов), то дал их латышским, а не русским журналистам.

К таким проблемам Барышников применял свое обычное средство: работу. Самым счастливым я когда-либо видел его в Риге, когда он репетировал произведения для предстоящей программы в студии своей старой школы. На складном стуле, наблюдая за ним, сидел директор школы Харальдс Ритенбергс, который в детстве Барышникова был ведущим дворянским танцором Латвийской государственной балетной труппы. («Для нас он был как Рок Хадсон», — говорит Барышников.) Рядом с Ритенбергсом сидел Юрис Капралис, красивый, великодушный латыш, которого Барышников учил балету с двенадцати до шестнадцати лет.Что должны были чувствовать эти люди? Вот милый, маленький, трудолюбивый мальчик, которого они знали, которому сейчас почти пятьдесят лет и самый знаменитый танцор в мире, репетирует перед ними па, каких они никогда не видели. Должно было быть какое-то потрясение, какое-то признание перелома в истории — всех тех лет, когда с ним и с ними произошло так много всего, из-за чего их жизни стали такими разными. Но ничего этого не было. То, что я увидел, было просто тремя старыми профессионалами, работающими вместе. Барышников исполнял шаги.Затем он и двое мужчин постарше собирались вместе и на языке жестов, который используют танцоры, обсуждали хореографию. Да, сказал Барышников, это произведение, никакой музыки. Да, вот я так делаю руки, а он продемонстрировал жесткую, прямоугольную руку, противоположную тому, чему учат балетных танцоров. Я посмотрел на поднятые брови. Их не было. Мужчины постарше кивали, смотрели, задавали вопросы. Им казалось, что он все еще их трудолюбивый мальчик, а его дело — их дело, танцы. Барышников показал им свои туфли — джазовки, вестерны, — а Ритенбергс и Капралис расшнуровали их, заглянули в них, потыкали подъем, согнули подошву.Они были похожи на двух опытных виноделов, изучающих новый вид пробки. Какие бы чувства ни возникали между тремя мужчинами, все они были поглощены работой. Теперь, как не бывало, когда Барышников показывал мне свой старый дом или больницу, где он родился, время исчезло. Он вернулся наконец домой, но дом был не в Риге; это был балет.

Михаил Николаевич Барышников родился в Риге через восемь лет после того, как Латвия, в разгар Второй мировой войны, была насильственно присоединена к Советскому Союзу. Когда война закончилась, русские рабочие хлынули в эту крошечную прибалтийскую страну размером с Вермонт. Среди них был отец Барышникова, Николай, высокопоставленный боевой офицер, которого направили в Ригу преподавать военную топографию в Военно-воздушной академии. С ним приехала его новая жена Александра, потерявшая на войне первого мужа, и Владимир, ее сын от первого брака. От Николая у нее родился Михаил, младше Владимира на восемь лет, в 1948 году. Брак родителей не был счастливым. Отец, по-видимому, был резким и холодным человеком.Другое дело, Александра, мать, говорит Барышников, «помягче, поинтереснее». У нее было очень мало образования, но она была страстной театралкой. Она ходила на драму, оперу, балет и брала с собой Мишу.

Миша был из тех детей, которые не могут усидеть на месте. Эрика Витина, подруга семьи, говорит, что, когда он ел в их доме, можно было видеть, как его ноги танцуют под обеденным столом со стеклянной столешницей. Он сам помнит движение как выход для эмоций. «Помню один раз, когда мама впервые взяла меня в гости к бабушке на Волгу, — сказал он мне.«Волга, это далеко от Латвии. Ехали поездом через Москву, и из Москвы в Горький, плюс потом еще семьдесят верст проедешь. Мы взяли такси, или нас доставила какая-то машина. Когда мы приехали, было очень раннее утро — маленькая деревня, очень простой дом, и там была моя бабушка. И я был в таком предвкушении, потому что мне было лет пять или около того, может, шесть. Мама сказала мне: «Михаил, обними свою бабушку». Но я была так подавлена, что не могла подбежать к ней и обнять ее. Так что я просто начинаю прыгать и прыгать, прыгать как сумасшедший, туда-сюда.Это было неловко, но в то же время это было именно то, что мне нужно было сделать. Мать и бабушка стояли и смотрели, пока все не кончилось».

Когда ему было около девяти лет, его мать подружилась с женщиной, которая танцевала в Большом театре в Москве, а теперь давала уроки балета в Риге. «Мать была очень взволнована этой дружбой, — говорит Барышников. Она записала его в класс своей подруги. Когда ему было одиннадцать, он перешел в Рижское хореографическое училище, государственную академию балета. (Одним из его одноклассников там был Александр Годунов, который тоже дезертировал и танцевал в Американском театре балета под руководством Барышникова.) Вскоре он проявил незаурядный талант. Эрика Витина подчеркивает причастность матери к балетным занятиям Миши: «У отца не было никакого интереса к балетной школе. Мать привела его в балетную школу, отдала туда. Все это происходило физически, из рук в руки».

«В каком-то смысле я был маменькиным сынком, — говорит Барышников. Он помнит, какой красивой она была. (На той фотографии, которую я видел, она очень похожа на него. Это может быть Барышников в парике.) «Моя мать была деревенской девушкой с Волги, — сказал он в 1986 году в интервью Роману. Полански.«Она говорила с сильным волжским акцентом. Очень красивая, очень русская — стопроцентно чисто русская невеста. Но чтобы рассказать всю историю моей матери, это долгая история». Конец истории в том, что летом, когда ему было двенадцать лет, она отвезла его на Волгу к своей матери, а потом вернулась в Ригу и повесилась в ванной коммунальной квартиры. Владимир нашел ее. Барышников так и не узнал, зачем она это сделала. «Отец не хотел об этом говорить, — сказал он мне. Вскоре после этого Владимир ушел в армию, и отец сказал Мише, что теперь они будут жить вместе, только вдвоем.На следующий год Николай уехал в командировку и вернулся с новой женой, новой жизнью. «Я понял, что я не в розыске», — сказал Барышников.

Он искал другие семьи. Большую часть лета он проводил с семьей Эрики Витиной, а в остальное время оставался с ними. «Довольно часто, — говорит Витина, — он поздно ночью звонил нам в дверь и говорил, что сбежал. Но через неделю мне звонили из балетной школы, — у нее там тоже был ребенок, — и говорили, что, если я не отправлю Мишу домой, им придется вызывать полицию.Так мы провели два года. Время от времени он приезжал погостить у меня, а потом отец снова забирал его». Поскольку Барышников прожил жизнь ссылки, она началась.

Эрика Витина вспоминает, что его ночи часто были тяжелыми. Поскольку он беспокоился о том, что слишком мал для балета, он спал на деревянной доске — ему сказали, что это поможет ему расти быстрее (меньшее сцепление) — и одеяла не оставались заправленными. спать, Витина заглядывала и снова укрывала его.Часто он кричал во сне, застигнутый в кошмаре. Но днем, по ее словам, он был «счастливым, солнечным мальчиком». Сейчас, оглядываясь на те годы, Барышников быстро развеивает любую атмосферу пафоса: «Когда детей оставляют, не всегда то, что книги Чарльза Диккенса. Когда ты теряешь своих родителей в детстве, это факт жизни, и, как ты знаешь, люди обладают необычайно сильными способностями к выживанию. Моя мать покончила жизнь самоубийством. Мне повезло, что это было не передо мной, хорошо? Это правда, и отец был в замешательстве, и у нас никогда не было никаких отношений, серьезных отношений.В каком-то смысле я никогда не знал своего отца. Но что? Это сделало меня другой? Нет. Я имею в виду, я виню во всех неудачах в моей жизни моих родителей? Нет.»

«Мне повезло», — добавляет он. «Я влюбился в танец». Каждая унция энергии, которая у него была, теперь направлялась на балет. По словам Юриса Капралиса, ставшего его учителем балета через два месяца после смерти матери, он был трудоголиком в детстве: «Очень серьезный мальчик. Перфекционист. Даже в свободное время зайдите в угол и тренируйтесь снова и снова. Другие мальчики играют, Миша учится.И не просто шагами, а артистичными, как актер. Он все время думает, какой должна быть эта роль. Помню, как-то «Щелкунчик». Ему было, наверное, тринадцать. Я был принцем, а он игрушечным солдатиком. После смерти Мышиного Короля Миша расслабляет свое тело. Уже не жесткий, как деревянный солдат. Мягкий. Наш балетмейстер спросил его: «Кто сказал, что ты должен это делать?» И он ответил: «Когда Мышиный Король умирает, игрушки становятся людьми. Игрушки становятся мальчиками. Движения должны меняться». Он придумал это сам. Маленький мальчик, но думающий.

Недавно я спросил Барышникова, мог ли балет после смерти матери стать для него способом вернуться к ней.Он сделал долгую паузу, а затем сказал: «В России танцы — часть счастья в группе. Группы на вечеринках, люди танцуют в кругу и подталкивают ребенка к центру, чтобы он танцевал. Ребенок вскоре нарабатывает рутину. Может сделать немного этого, — руку на затылке, — немного этого, — руки соединены горизонтально на груди, — и вскоре сделать несколько специальных шагов и научиться приберегать их до конца, чтобы сделать большой финал. Таким образом, ребенок получает внимание взрослых».

В случае ребенка-художника, особенно того, который перенес ужасную потерю, заманчиво рассматривать художественные решения как психологические решения, потому что мы предполагаем, что ребенок не может быть настоящим художником.Но, как говорили многие, дети, вероятно, более артистичны, чем взрослые, смелее в воображении, более беззастенчиво увлекаются формой, линией, деталями. В случае Барышникова преданность матери, а затем ее потеря могут помочь объяснить одну вещь: работу , которую он вложил в балет. В остальном — физический дар, слияние шагов с фантазией, интерес к созданию чего-то истинного и законченного («Игрушки становятся мальчиками») — все это сегодня так же важно для него, как и в двенадцать лет — мы должны смотреть только на него.

В 1964 году Латвийский государственный балет поехал на гастроли в Ленинград с балетом, в котором Барышникову, которому сейчас было шестнадцать, была небольшая роль, и член труппы отвел его к Александру Пушкину, уважаемому педагогу Кировского балетного училища, Вагановой хореографический институт. Пушкин тут же попросил директора школы принять мальчика. К сентябрю Барышников переехал в Ленинград и был устроен у станка в классе Пушкина. После этого он редко возвращался в Ригу.

После матери Пушкин был, пожалуй, самым важным человеком в молодости Барышникова.Пушкин начал собственное балетное обучение в студии Николая Легата, который помогал обучать Нижинского. Позже он учился у других известных педагогов. Когда Барышников пришел в его класс, Пушкину было пятьдесят семь, и он уже не танцевал, но выступал с Кировым почти тридцать лет, в основном во второстепенных ролях. «Pas de deux, pas de trois», — говорит Барышников. «Иногда замещал директора, но он не был главным типом. Не очень красивый — большой нос, длинные ноги, короткое туловище — и не очень выразительный.Но классический, классический. Олдскульный, традиционный, квадратный. Академик. Обычно это такие люди, люди, которые двадцать пять лет танцуют одни и те же партии, которые знают о технике больше, чем люди, которые продвигаются и пробуют себя в других областях. Двадцать пять лет вы возвращаетесь после летних каникул и настраиваете свое тело на один и тот же распорядок, вы определяете время, вы определяете метод».

Пушкин начал преподавать рано, в двадцать пять лет, и вскоре специализировался на мужчинах. Его манеры в классе были классно лаконичными.Он редко исправлял ошибки, а если и делал, то самые элементарные. (В школе говорили, что у него их было два: «Не упади» и «Вставай».) Скорее, как объясняет Барышников, Пушкин был настолько эффективен благодаря логике комбинаций шагов, которым он обучал, — тот факт, что они были верны не только классическому балету, но и человеческой мускулатуре. Они казались правильными для тела, и поэтому вы сделали их правильно. И чем больше ты их делал, тем больше ты становился классическим танцором.Еще одно свойство Пушкина, говорят его ученики, это то, что он был разработчиком индивидуальности. Он направил студентов к себе, помог им узнать, какие они танцоры. «Кроме того, — говорит Барышников, — он был необыкновенно терпеливым и необыкновенно добрым человеком. Очень, очень добрый». Если есть в классическом искусстве точка, где эстетика встречается с моралью, где красота, кажущаяся простой и естественной, дает нам надежду, что и мы можем быть красивыми, то Пушкин как бы стоял на этой точке и протягивал руку своему школьники.В любом случае, он был специалистом по успокоению мальчиков-подростков, привлечению их к работе и восприятию себя серьезно. Из его класса в пятидесятые и шестидесятые годы вышли лучшие танцоры Кирова, в частности Никита Долгушин, Юрий Соловьев и Рудольф Нуреев.

Некоторых своих учеников Пушкин взял непосредственно под свое крыло. Самый известный пример — Нуриев, который был на десять лет старше Барышникова. Нуриев очень поздно начал заниматься балетом. «Только когда ему было шестнадцать или семнадцать, он приехал в Ленинград и профессионально поставил ногу на первое место», — говорит Барышников.— И он воспользовался этой возможностью очень—*э-э-э-э—*как танк. Очень агрессивны в плане воспитания, в плане догоняющего. И вспыльчивый характер. Иногда на репетициях, если он не мог сделать какие-то шаги, он просто убегал, плача, бежал домой. Затем, в десять часов вечера, он возвращается в студию и работает над степом, пока не получит его. Люди думают, что он чудак. И уже была очевидна его амбивалентная сексуальность, что в той консервативной атмосфере было большой проблемой. Люди дразнили его». Так Пушкин и его жена Ксения Юргенсен, еще одна бывшая кировская танцовщица, взяли Нуриева в свой дом. Он жил с ними долгое время, не только в школьные годы, но и в ранние годы в Кирове. Тот факт, что Нуреев дезертировал в 1961 году — что он был достаточно опытным и смелым, чтобы уйти, — вероятно, в значительной степени был обязан им, хотя это и разбило их сердца. (Когда Барышников впервые пришел к ним домой, он увидел нуриевскую электричку, установленную как некая реликвия в их гостиной.) Священный сосуд русской традиции, Пушкин воспитал танцоров такими хорошими, такими серьезными и амбициозными, что они не могли выжить в России.Юрий Соловьев покончил с собой. Никита Долгушин был сослан в провинцию. Нуриев и Барышников дезертировали.

Пушкин и Юргенсен приняли Барышникова так же, как и Нуреева. «Я проводил с ними недели, а иногда и месяцы, — говорит он. Он также ел в их доме почти каждую ночь. Юргенсен был хорошим поваром. «Очень элитная русская еда, — говорит Барышников. «Зимняя еда — телятина, сливки». Потом Пушкин и его ученик работали вместе, иногда часами, часто над оружием: «Найди мой способ движения оружия, согласованность. Молодые танцоры не думают об этом, думают только о ногах». Потом Барышникову очень часто было поздно возвращаться в общежитие, и он спал на пушкинской кушетке.

Барышников все еще очень переживал из-за своего роста. Российские балетные труппы следуют строгой системе, называемой emploi , в соответствии с которой танцоры распределяются по типам на определенные роли и остаются в них до конца своей карьеры. Барышников, хотя и рос (со временем достиг пяти футов семи дюймов), казался слишком маленьким для танцорско-благородных ролей, серьезных, поэтических главных ролей.Не только его рост, но и его сценическое обаяние — он был мальчишеским, жизнерадостным, личностью — казалось, подталкивали его к полухарактерным ролям, быстрым, часто комичным ролям актеров второго плана. Как он сказал в интервью Полански: «Я думал, что закончу где-нибудь Джокером или Арлекином», но это было не то, чего он хотел. Но Пушкин считал, что его воспитанник будет дворянским танцором, и взял его только для того, чтобы он продолжал работать. В 1967 году Барышников окончил Вагановское училище. На его дипломном спектакле, в па-де-де «Корсара», «сцена была невообразимая», — пишет его биограф Геннадий Смаков.Толпа завыла; люстры тряслись. Барышникова взяли в Кировский балет солистом, миновав нормальную стартовую позицию в кордебалете, и вот тут-то у него и начались неприятности.

«Я пришел в компанию, когда она разваливалась, — сказал Барышников Смакову. В конце 60-х и 70-х годах Кировский пережил период репрессий, от которых так и не оправился до конца. Отчасти это было связано с общесоциальной закалкой после хрущевской «оттепели». Но в балетном мире удвоилась тревога из-за бегства Нуреева.Константин Сергеев, директор Кировской, превратил компанию в мини-полицейское государство. Репертуар состоял либо из классики девятнадцатого века в постановке Сергеева, либо из социалистических знаменосцев. (Сам Сергеев в 1963 году поставил балет «Далекая планета», вдохновленный космическим полетом Юрия Гагарина.) Все вновь поставленные балеты проверялись, чтобы убедиться, что они не угрожают ни политике правительства, ни первенству Сергеева как балетмейстера труппы. За танцорами внимательно наблюдали за признаками неподчинения.Если они выглядели рискованными — если они действительно не посещали собрания компании или имели не тех друзей, — им часто запрещали зарубежные туры, которые были их единственным средством пополнения их крошечных доходов. Как правило, список тех, кто отправится в турне, не вывешивался до дня отъезда. Незадолго до этого должны были проводиться собрания, на которых танцорам предлагалось осудить своих коллег, чтобы в списке были их собственные имена, а не их имена.Многие сотрудничали. Сотрудничали они или нет, но танцоры были поставлены на колени. Праведные страдания могут погубить вас почти так же быстро, как стыд. Другие привилегии в Кирове — роли, выбор партнеров, время на сцене — тоже давались не столько по заслугам, сколько по истории сотрудничества. Таким образом были разрушены карьеры тех, кто считался превосходными художниками, людей, которые были одними из тысячи и в которых было вложено десятилетнее обучение.

Таковы были обстоятельства, в которых Барышников, девятнадцатилетний и жаждущий танцевать, оказался в 1967 году. Ему приходилось бороться только за то, чтобы попасть на сцену — в то время даже ведущие кировские танцовщики выступали всего три-четыре раза в месяц, — а также за то, чтобы заполучить желаемых партнерш. Прежде всего, ему пришлось бороться за кастинг. Со временем ему стали давать благородные танцорские роли, но только со временем. (Он ждал шесть лет, чтобы станцевать Альбрехта в «Жизели», роль, которую он отчаянно хотел.) Хуже была проблема с шансом выступить не в стандартном репертуаре. Барышников хотел танцевать новые балеты, современные балеты, и некоторые из них создавались в Кировском, с отличными для него партиями.Но снова и снова на такие балеты накладывалось вето артсовета труппы или художественного комитета, и они отбрасывались после одного или двух представлений. Барышникова снова отправили танцевать «Дон Кихота».

В 1970 году, в середине его семилетней карьеры в России, все стало намного хуже, потому что в том году Наталья Макарова, восходящая молодая балерина Кировского театра, дезертировала во время выступления труппы в Лондоне. Барышников был в этой поездке, и именно ему, а не Макаровой, власти уделяли особое внимание.По его мнению, Макарову всерьез не воспринимали как потенциального перебежчика, потому что она была женщиной: «Они и подумать не могли, что у женщины хватит духу сбежать». Барышников, с другой стороны, иногда имел до трех агентов КГБ. агенты следили за ним, пока он шел по улицам Лондона. Он говорит, что в то время у него не было мыслей о дезертирстве. Если его и запирали в Кирове, то потому, что его там очень ценили. Он был одним из ведущих танцоров труппы. «К тому же, — говорит, — Киров был для меня домом, и у меня были незаконченные дела.Я хотел станцевать этих танцев с этими людьми». Действительно, когда он получил известие о Макаровой, бывшей его подруге, а также бывшей подруге, он ужасно за нее переживал: «Я думал, что ей будет трудно выжить на Западе, что люди воспользуются ее, что она пожалеет. Ты можешь поверить, как глупо?»

Рудольф Нуриев в России

«Я подхожу к танцам под другим углом, чем
те, кто начинает танцевать в 8 или 9 лет. Те, кто изучал
с самого начала, никогда ни в чем не сомневаются».

Рудольф Нуреев

Ни один танцовщик не оказал большего влияния на историю, стиль и общественное восприятие балета, чем Рудольф Нуреев. Он изменил ожидания людей. Начав с неблагоприятного начала в отдаленном городке на Урале, он в конечном итоге изменил весь облик искусства.

Неутомимо исполняя уникально широкий репертуар ночь за ночью, месяц за месяцем, год за годом, во всем мире, он достиг более широкой аудитории, чем любой соперник, к которой надо добавить еще миллионы, видевшие его только в кино и на телевидении. (его снимали больше, чем любого другого танцора до или, возможно, после).Но более важным, чем размер его аудитории, было влияние на нее его харизматичной личности и полной самоотверженности, с которой он выступал. Его собственный идиосинкразический способ выразить это заключался в том, что «каждый шаг должен быть окроплен вашей кровью».

Драматические обстоятельства его приезда на Запад, его так называемый «прыжок к свободе» сразу же поставили его на первые страницы мировых газет, но именно его сильная личность удержала его там, и он упрямо использовал эту позицию развивать по-своему. Кроме того, как образец, партнер, хореограф и режиссер он давал другим танцорам возможности, которыми они иначе не могли бы пользоваться, а компании, с которыми он работал, становились лучше, сильнее и живее благодаря его присутствию.

В его происхождении, рождении или детстве не было ничего, что указывало бы на то, куда заведет жизнь Нуреева.

Самый младший из четырех детей, он был единственным мальчиком. В семье были татары, выходцы из крестьян Башкирской советской республики, но его отец, Хамет, воспользовавшись возможностями, предоставленными простым людям русской революцией, стал офицером по политическому воспитанию в Красной Армии, дослужившись до звания майора. .

Поскольку мать Рудольфа Фарида ехала со своими дочерьми, чтобы присоединиться к Хамету, когда ее сын прибыл немного раньше, чем ожидалось, он родился в поезде на Транссибирской магистрали, где-то недалеко от озера Байкал. Его официальной датой рождения было 17 марта 1938 года, хотя на самом деле, вероятно, это было на два или три дня раньше.

Он не помнил своего отца до возвращения Хамета с военной службы в 1946 году. Это помогает объяснить отсутствие взаимопонимания между отцом и сыном, усугубляемое тем, что к тому времени мальчик уже зациклился на том, что Нуреев-старший считал недостойной карьеры танцора. .

Мальчик с ранних лет полюбил музыку, а в шесть лет впервые увидел балет. Семейный дом после эвакуации из Москвы был тогда общим деревянным домом в Уфе, столице Башкирии.

Условия были нехорошие: еды было мало, дороги немощеные, зимы долгие, а холод такой свирепый, что Нуриев позже описывал, как у него текло из носа, а слизь превращалась в лед. Все терпели лишения, но Нуреевы были беднее некоторых. Вареный картофель был их основной пищей, и когда он пошел в школу, над ним смеялись за то, что у него не было обуви и он носил пальто одной из своих сестер.Но в городе был оперный театр с хорошими стандартами (там дебютировал великий певец Шаляпин). В канун Нового 1945 года Фарида Нуреева по одному билету тайно протащила всех своих детей на представление патриотического балета «Песнь журавлей» с башкирской балериной, воспитанницей Ленинграда, Зайтуной Назретдиновой. Сразу же Рудольф решил, что будет танцором.

Начинал с народных танцев в школе, в кружках самодеятельности и у пионеров, в которые должны были вступить все десятилетки.Затем его порекомендовали балетмейстеру Анне Удельцовой, которая через полтора года передала его другой, Елене Вайтович. Оба профессионально танцевали и, помимо его уроков балета, говорили с ним о виденных ими танцорах (включая Павлову и Дягилевский балет). Они дали ему понять, что танец — это нечто большее, чем техника, и, видя потенциал мальчика, убеждали его учиться в Ленинграде, где они тренировались и которую считали лучшей школой в мире.

Однако добраться туда казалось почти непреодолимым трудом, особенно когда отец запретил ему продолжать занятия танцами, потому что они влияли на его успеваемость в школе и, следовательно, на его шансы на «подходящую» карьеру, например, инженера или врача. Но его мать закрывала глаза, когда он ускользал на уроки под предлогом других занятий.

Всероссийский фестиваль поэзии, Пушкина и политики | Новости WMU

Контактное лицо: Жанна Барон

Российский фестиваль возвращается.17.

KALAMAZOO — Серия лекций, художественных демонстраций, поэтических чтений и веселых мероприятий для детей и взрослых будет посвящена 17-му ежегодному Русскому фестивалю Kalamazoo, который пройдет с 9:00 до 17:00. Суббота, 17 ноября 90 084, в Центре Фетцера в главном кампусе Университета Западного Мичигана.

Ожидается, что более 1000 гостей, исполнителей и продавцов из России и со всего Среднего Запада посетят мероприятие, которое также включает художественные выставки, концерты, народные танцы и певцы, ремесла, русскую еду, детские мероприятия и тихий аукцион.

«В дополнение к танцевальным, песенным и музыкальным инструментам наши научные мероприятия продолжают привлекать студентов, преподавателей и широкую общественность», — говорит Джудит Рипма , ведущий специалист факультета WMU по английскому языку, которая участвовала в фестиваль на протяжении большей части своей истории.

Российский фестиваль 2012 года начнется в 9:00 со вступительного слова представителя штата Шона Макканна . В течение дня будут проходить специальные лекции и чтения.

Лекции и чтения

  • Сначала будет «2012: Год турбулентности» в 11:00 от доктора Джима Баттерфилда , стипендиата Фулбрайта и профессора политологии WMU.
  • Обсуждение одного из самых известных стихотворений Александра Пушкина «Медный всадник» состоится в полдень Скоттом Фриснером , престижным консультантом по стипендиям колледжа Lee Honors College WMU.
  • В 13:00 , «Русская иконография» будет рассмотрена в презентации Гаррили Маккормик , адъюнкт-преподавателя театрального искусства WMU и известного местного художника и иконописца, и Майкла Нортропа , заведующего кафедрой искусств муниципального колледжа Глен-Оукс.
  • Нина Васильевна Паулова , бывший консультант по театральной речи, профессор Хабаровского института искусств и культуры, в 14:00 прочтет ряд произведений известных русских поэтов.  
  • Начиная с 15:00 , Rypma проследит путь янтаря от его доисторического происхождения до его художественной кульминации в форме одной из величайших загадок 20-го века о потерянных сокровищах: загадочного исчезновения Янтарной комнаты из Германии в последние дни Второй мировой войны.Она также прочитает из своего нового сборника стихов «В поисках Янтарной комнаты».

Дополнительные события

  • Среди других приглашенных докладчиков будет Лоррейн Федорчак-Кракер , которая проведет семинар с с 15:00 до 17:00. на знаменитых яйцах-писанках, давая зрителям возможность не только узнать о символике искусно украшенных яиц, но и создать свой собственный дизайн.
  • Популярное событие, возвращающееся в этом году, — это спектакль, поставленный старшеклассниками из Академии Маршалла . Спектакль этого года станет экранизацией пушкинского «Золотого петушка» — сказки о влюбленном царе, игнорирующем свое царство. Выступления будут повторяться в в 11:00 и 13:00. под руководством выпускницы WMU и преподавателя Академии Маршалла Лесли Кац .

О фестивале

Русский фестиваль в Каламазу организован Ассоциацией русской культуры Каламазу при поддержке кафедр английского языка и театра WMU.Ассоциация является некоммерческой организацией, которая организует мероприятия в течение года, а также укрепляет общественные связи с Пушкиным, российским городом-побратимом Каламазу.

Вход на российский фестиваль стоит 2 доллара для детей до 12 лет, 6 долларов по студенческому билету, 10 долларов для взрослых и 20 долларов для семейного абонемента.

Для получения дополнительной информации посетите сайт russianfestival.org или свяжитесь с Джудит Рипма по адресу [email protected] или по телефону (269) 387-2628.

Статья по теме
Неделя международных мероприятий по охране здоровья во всем мире | нояб.3, 2012

Детский русский клуб Анн-Арбор

Детский русский клуб существует с сентября 1997 года. Членами Клуба являются семьи с детьми. С тех пор мы были встречи каждую субботу (с перерывами на каникулы) для репетиций танцев и играет. Наши выступления проходят два раза в год в декабре и мае. Наши танцевальные коллективы участвовали в различных международных фестивалях в г. Общественный колледж Ваштено, Университет Восточного Мичигана и местные школах, а также на городских Фестивалях «Анн-Арбор и остальной мир».

Основные события:
13.12.1997 К.Чуковский Муха-Цокотуха 28 мая 2005 г. А. Чехов водевиль
22 мая 1998 Кукольный спектакль Буратино (Пиноккио) 17 декабря 2005 г. Г.Горин Тот самый Мюнхгаузен
5 декабря 1998 г. Фантазия о рыцарях и драконах 13 мая 2006 г. Б. Шоу Пигмалион
7 мая 1999 г. И.Крылов Басни 16 декабря 2006 г. К.Голдони Слуга двух господ
4 декабря 1999 А.С.Пушкин Сказка о попе и о работнике его Балде ; Три поросенка 5 мая 2007 г. Н.В.Гоголь Мертвые души
15 января 2000 г. С.Маршак Двенадцать месяцев 15 декабря 2007 г. А.С.Пушкин Борис Годунов
Разное Танцы и т.д. 31 мая 2008 г. М.Булгаков Мсье Журден
13.05.2000 А.Фомовская В никуда и обратно 13 декабря 2008 г. У. Шекспир Много шума из ничего
9 декабря 2000 г. К.Чуковский Муха-Цокотуха ; Танцы; Фильм 23 мая 2009 г. Горин Г. Молочник Тевье
12.05.2001 А.Толстой Буратино (Буратино) 23 декабря 2009 г. Н.В.Гоголь Ревизор
8 декабря 2001 г. А.С.Пушкин Сказка о мертвой царевне и семи богатырях 22 мая 2010 г. У. Шекспир Ромео и Джульетта
8 мая, 16 июня 2002 г. Г.Остер Рассказы ; М.Булгаков Иван Васильевич 10 декабря 2010 г. Русский водевиль
14 декабря 2002 г. А. Милн Кристофер Робин и его друзья ; Н.В.Гоголь Ревизор 21 мая 2011 г. А.С. Пушкин Маленькие трагедии
17 мая 2003 г. И.Крылов Басни ; М.Булгаков Мсье Журден 17 декабря 2011 г. Эдмон Ростан L’Aiglon (Орленок)
13 декабря 2003 г. А.С.Пушкин Сказка о рыбаке и рыбке ; А.Гладков Гусарская баллада 12 мая 2012 г. А.П.Чехов Анекдоты
1 мая 2004 г. К.Чуковский Доктор Айболит ; Н.В.Гоголь Женитьба 15 декабря 2012 г. Михаил Себастьян Звезда без имени
11 декабря 2004 г. У. Шекспир Гамлет 11 мая 2013 г. Роберт Томас Новая улика (История одного преступления)
21 декабря 2013 г. Григорий Горин Забудьте о Герострате!
24 мая 2014 г. А.С.Пушкин Евгений Онегин

Сертификация Института Пушкина / Дети — Школа Метафора

Зарегистрироваться

Проверьте и улучшите свои языковые навыки!

Государственный институт русского языка имени А. С. Пушкина в сотрудничестве с Министерством науки и образования и Торгово-промышленной палатой Российской Федерации предлагает сертификационные экзамены по русскому языку в соответствии со стандартами Совета Европы.

Зачем мне сдавать этот экзамен?

Если вы изучаете русский язык и хотите:

  • проверить и объективно оценить собственные знания;
  • иметь мотивацию для дальнейшего обучения;
  • поступить в престижный колледж;
  • найти хорошую работу, практикуя свои языковые навыки;
  • доказать друзьям и учителям, чего вы достигли благодаря изучению языка;
  • повысить самооценку;

Вы должны сдать экзамен в Пушкинском институте и получить сертификат международного образца, который действует бессрочно.

Где можно сдать экзамен?

Наш Центр является официальным экзаменационным центром, авторизованным и одобренным Государственным институтом русского языка имени А. С. Пушкина. Мы предлагаем следующие сертификационные экзамены по русскому языку для детей:

Возраст Уровень «Метафора» Уровень «Пушкинский институт»
6 лето. Уровни 2-3 Старт (вступительный тест)*
7 лет Уровень 3 А1
9 лет Уровень 5 А2
11 лет Уровень 7 В1
13 лето. Уровень 9 В2

*Старт — вступительный экзамен, который помогает выбрать образовательную программу для ребенка: Русский язык как иностранный ИЛИ Русский язык как второй (для детей-билингвов).

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.